Un grain de toute beauté - Le mini-guide de la sensibilité
3ème élément du triangle d'exposition, la sensibilité est indiqué sur les réglages de votre appareil photo avec l'unité ISO.Plus le nombre d'ISO est élevé, plus votre capteur numérique sera "sensible" à la lumière, plus il captera d'information.Pour essayer de faire simple quand votre environnement est sombre, vous voulez tout de même avoir une photographie convenablement exposée, mais peut être que votre optique sera limitée en ouverture ou déjà à son maximum - ou la scène que vous photographiez vous limitera en vitesse et vous ne pourrez pas ralentir plus. Une seule solution alors pour obtenir plus de lumière : augmenter la sensibilité de votre capteur, augmenter les ISO. En augmentant vos ISO vous aurez la possibilité d'avoir une vitesse plus rapide et d'éviter des flous de bouger ou de fermer votre diaphragme pour une plus longue profondeur de champ.
Si ce dernier paragraphe n'est pas clair je vous invite à lire ces 3 articles :
Pour changer vos ISO, vous aurez besoin d'être dans l'un des "bons" modes de prise de vue : (P), 'Priorité Vitesse' ou 'Priorité Ouverture' (ou 'Manuel' bien sûr).Les appareils photo numériques commencent généralement avec une valeur minimum de 100 ISO, mais cela peut être différent notamment à cause de la taille de votre capteur.Enfin il est important de savoir que vous gagnerez un indice de lumination (IL) lorsque vous doublez la valeur ISO. Ceci veut dire que vous gagnerez autant de lumière entre 100 et 200 ISO qu'entre 200 et 400 ISO ou qu'entre 400 et 800 ISO, l'unité ISO n'est pas linéaire par rapport à la quantité de lumière captée.
Je dois avoir un grain
Comme chacun des éléments du triangle d'exposition, ce qu'il est important de retenir est que la sensibilité doit avant tout être un outil créatif.La principale conséquence créative de la montée en sensibilité / ISO est l'apparition d'un grain numérique. Ce grain peut être chromatique ou de luminance mais cela a peu d'importance, le principe est que plus vos ISO seront bas / faibles, meilleure sera la netteté de votre cliché. C'est cette raison pour laquelle en photographie de paysage il pourrait vous être parfois recommandé de rester à ISO 100 (ou le plus faible possible) et de capter plus de lumière par l'utilisation d'un trépied qui vous permettra de baisser votre vitesse sans avoir de flou de bouger.
Vous noterez que j'utilise ici le conditionnel. Je connais de remarquables photographes qui ne souhaitent pas s'encombrer de trépied en situation de paysage, qui préfère garder leur mobilité, varier les compositions et donc qui n'hésitent pas à monter en sensibilité : Rosalynn Tay pour n'en citer qu'une que j'ai eu le plaisir d'emmener dans les collines de Toscane.
D'autres situations vous empêchent l'utilisation d'un trépied en demandant des vitesses élevées, la photographie de concert est un bon exemple. Et puis vous avez tout à fait le droit d'apprécier le grain, notamment en noir et blanc, et de souhaiter augmenter les ISO avec une intention créative. La photo en en-tête de cet article est par exemple à 4000 ISO et cela ne me pose aucun problème.
Comment utiliser les ISO ?
Contrairement à l'ouverture ou la vitesse, vous ne disposez pas sur votre appareil de mode de prise de vue "priorité sensibilité", et c'est très bien comme ça. L'impact créatif de la sensibilité est nettement moins remarquable (jeu de mots volontaire) et je vous conseillerai de toujours définir une sensibilité avant de commencer à photographier, en fonction de la scène qui se présente à vous.Vous pouvez toujours réglez votre appareil sur 'sensibilité automatique' mais je crois que cela vous donnera moins de contrôle, et donc moins de latitude créative.
Il serait préférable de retenir quelques niveaux de sensibilité, puis d'adapter votre réglage en début de shooting, et ainsi garder le contrôle créatif de vos photos. La sensibilité classique pour un 'extérieur jour nuageux' est de 400 ISO. Ainsi demandez-vous comment sont les conditions de lumière par rapport à un 'extérieur jour nuageux' : Grand soleil ? 100 ISO / Intérieur jour éclairage limité ? probablement ISO 800 à 1200 / Concert à éclairage faible ? ISO 6000 à 12000.Comme pour la 'vitesse' l'expérience sera précieuse avec la 'sensibilité', mais à priori vous aurez beaucoup moins d'ajustements à effectuer.
Enfin je me dois de reconnaitre qu'il m'arrive de passer en ISO automatique, notamment en photographie de rue si les conditions de lumières peuvent être changeantes et que je n'ai pas envie d'y penser. Le plus important est de rester concentré sur votre sujet, sur votre composition, la sensibilité ne doit certainement pas être un obstacle.
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Photographie de rue - Sortez de chez vous
La photographie de rue est une activité passionnante pour beaucoup de photographes. Pour moi c'est la seule photographie que je voudrais pratiquer, celle à laquelle je reviens encore et encore et j'aimerais tenter ici de vous expliquer pourquoi.
Quoi ?
Avant toute chose essayons de définir la photographie de rue. Je ne crois pas en une définition définitive de la photographie de rue. Chaque photographe y développera des techniques différentes, y trouvera son regard, mais aucun n'expérimentera cette pratique exactement de la même manière.J'aime assez la définition de wikipedia :
La photographie de rue est une pratique de la photographie en extérieur, dont le sujet principal est une présence humaine, directe ou indirecte, dans des situations spontanées et dans des lieux publics comme la rue, les parcs, les plages ou les manifestations.
Mais cette définition pose un problème. Si je réalise une photo en pose longue d'une skyline à New-York, est-ce encore de la photographie de rue ? Certains vous diront que c'est un paysage. Mais ce paysage urbain est-il vraiment dissocié d'une activité humaine ? Il parait évident que ces gratte-ciels n'existeraient pas sans les hommes et les femmes qui les occupent ou qui y vivent. Je crois aussi que mes villes désertes ont un sens par l'absence qu'elles évoquent : l'absence d'humains. Les villes désertes sont un paradoxe parce qu'elles sont désertes, alors que techniquement on pourrait rapprocher ce projet de la photographie d'architecture.Pour moi cette phrase de Joel Meyerovitz tombe en plein dans le mille :
Un photographe de rue n'a aucune idée de ce qui va arriver chaque jour. Nous sortons dans les boulevards du monde, juste pour être dehors, et juste pour regarder la manière dont le monde continue à se présenter à nous avec des idées, des incidents et des moments de conscience
Si vous ne connaissez pas Joel Meyerovitz, arrêtez ce que vous faites et cliquez sur ce lien. Vous pouvez également vous procurer la bible de la photographie de rue : Bystander, a History of Street PhotographyQuant à moi je me lance dans une définition aussi incomplète qu'inexacte :
La photographie de rue est une méthode d'observation du monde et de ceux qui y vivent. Elle utilise la composition et le cadre pour mettre en évidence des moments de grâce qui ont la fonction de documenter et de révéler.
La vache c'est pas mal pour un premier jet.C'est certainement l'occasion de vous dire de sortir de chez vous. Pas ce week-end, pas demain. Pas quand vous aurez un autre appareil. Maintenant. Posez-ce livre (ou votre téléphone si vous me lisez sur mon blog) et sortez autour de chez vous pendant 20 minutes pour prendre des photos. Vous me remercierez plus tard.Pourquoi ?La question du pourquoi dépend beaucoup du photographe. Pour moi la photographie de rue EST la photographie. La photographie de commande est devenu mon métier et ce que j'y produis utilise les mêmes outils ou les mêmes techniques, mais mon seul vrai grand plaisir en photographie est d'aller voir le monde.Si vous débutez en photographie et souhaitez progresser, la rue est toujours là, elle vous attend. Vous souhaitez progresser en portraits ? en paysages ? en architecture ? pourquoi pas en macro ? Vous avez des aspirations artistiques ? ou documentaires ? Toutes les techniques, tous les genres, tous les styles peuvent se pratiquer dans la rue en bas de chez vous, il serait impossible de les nommer tous ici. Vous avez des volontés de journalisme ou d'auteur ? Les meilleures rencontres que vous ferez sont probablement derrière votre porte.Il est tout à fait possible de rester chez soi pour pratiquer la photo, et pas seulement dans un studio, je vous y encouragerai toujours d'ailleurs. Mais la photographie de rue est cette activité merveilleuse où vous n'avez qu'à sortir de chez vous et à vous exprimer en photographie, à devenir vous-même avec vos photos et ce qu'elles diront de vous.La photographie de rue a également une vocation à être la mémoire de notre temps, à être une expression artistique pour les meilleurs qui seront exposés. Mais je voudrais vous dire que la photographie de rue est aussi une activité merveilleuse même si vous ne publiez jamais vos photos.La photographie de rue est une manière de sortir de sa zone de confort, d'aller vers l'inconnu et les inconnus et de voir le monde d'une manière nouvelle. La contrainte du cadre photographique vous entrainera à chercher des détails, de la lumière, des contrastes, des gestes et des attitudes, tous ces moments furtifs qui peuvent vous appartenir si vous le décidez.Nous verrons dans les prochains articles quelques techniques, recommandations ou réflexions relatives à la photographie de rue, en continuant avec les questions "Qui ?", "Comment ?", "Où ?" et "Quand ?".--Vous avez continué à lire cet article jusqu'au bout ? Il est temps de sortir de chez vous, de commencer à photographier, et de laisser votre instinct vous guider.Si vous débutez en photographie, réglez votre appareil :
- en mode "priorité vitesse" avec une vitesse de 1/200e de secondes (c'est mon réglage de base dans la rue)
- ou en mode "priorité ouverture" avec un réglage d'ouverture à F8.0
... et sortez de chez vous, en partant de là où vous êtes, 20 minutes suffisent. Et n'hésitez-pas à décrire votre expérience en commentaires ou dans le groupe facebook ici.—VA est un programme de 25 articles qui a pour objectif d’enseigner à un(e) photographe débutant à prendre de grandes photos. Rien que ça 🙂
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Ces articles et le livre dans lequel ils seront regroupés sont en libre accès. Mais si vous voulez m'encourager et m'offrir le café : cliquez ici.
Comment éditer ses photos
Nous voici sur une des parties les plus dures de ce livre pour moi : l'édition de vos photos. Cette section est difficile parce que :
Il y aurait beaucoup à dire sur la partie technique d'un logiciel comme Lightroom, mais ce livre n'a pas du tout cette vocation.
J'ai peu enseigné sur cette question. L'édition fait partie de mes ateliers de photographie à Paris, mais sous un angle différent et pas à destination de débutants.
L'édition est une partie TRÈS importante en photographie.
Pourquoi l'édition est importante ?
Commençons par définir le terme, quand je parle d'édition c'est au sens de l'éditeur, je parle de sélection et publication de photos. Je ne parle pas du développement d'une ou plusieurs photographie, bien que le développement soit généralement intégré dans les logiciels qui vous permettront d'éditer.
L'édition est importante avant tout parce qu'elle prend un temps conséquent. Quand je parle de mon métier, à un client pour me vendre ou à un autre photographe pendant un voyage-photo, j'ai pour habitude de dire que je passe autant de temps en post-production qu'en prise de vues. Cette répartition moitié prise de vue / moitié édition n'est qu'une approximation. Avec les années de pratique je réalise que le temps d'édition est beaucoup plus important en volume, à cause du besoin de revenir encore et encore sur d'anciens travaux. Voilà pour le volume.
Mais l'édition est également cruciale pour la qualité de vos photos car c'est là que vous pourrez travailler sur des projets photographiques, et surtout pour vous qui débutez c'est devant vos anciennes photos que vous devez progressez le plus sur la qualité de vos futures photos. C'est à l'édition que votre oeil critique (de vos propres photos) doit s'exercer. Nous verrons plus tard que cet oeil critique progressera également avec la l'observation et l'analyse du travail d'autres photographes, mais l'objectif est ici d'apprendre à éditer vos photos pour que votre prochaine session de photo soit meilleure que la précédente. Vous avez la chance du débutant : celle de progresser beaucoup et vite. Mon but est ici de vous donner une méthode d'édition qui vous permettra d'éviter quelques erreurs ou pertes de temps.
Bon cette introduction est beaucoup trop longue. Je l'éditerai certainement quand je rassemblerai tout pour le livre.
Méthode simplifiée d'édition d'une session photo à l'usage des débutants en photographie
Manifestement, je dois aussi travailler mes titres.
Commençons par le début, vous revenez d'une sortie photo, ou bien d'un shooting d'un concert, d'une épreuve sportive, d'une planque pour capturer le brame du cerf, vous revenez de vacances ou de l'anniversaire de votre neveu. Bref, vous êtes devant votre ordi et vous allez vider une carte mémoire.
Les captures d'écran que je présenterai ici sont issues de Lightroom que j'utilise depuis mes débuts en photographie, mais ces principes fonctionnent avec tous les logiciels de traitement et d'édition de photos. J'ai simplement été trop paresseux (ou désintéressé du sujet) depuis des années pour effectuer ou chercher un comparatif valable entre les différents logiciels et suis resté fidèle à Lightroom.
Etape 1 - Videz la carte mémoire et classez par date
Mon conseil le plus important ici sera de vous suggérer d'importer vos photos dans un dossier qui contient la date de vos prises de vues. Pendant les 4 premières années de ma photographie j'importais par dossier thématique et le seul classement que j'ai de cette époque est un ordre alphabétique (PAS pratique du tout).
Vous pourrez classer vos photos par événement, thématique ou projet ultérieurement, grâce aux collections. C'est d'ailleurs tout l'objet du travail d'édition. Mais si vous importez par date, puis renommez votre dossier pour y inclure la thématique à la suite de la date, vous obtiendrez un deuxième classement très pratique.
Mon conseil subsidiaire serait de renseigner un maximum de mots clés génériques qui s'appliquent à toutes les photos que vous importez. Dans le cas de l'anniversaire du neveu : "anniversaire" / "nom de votre neveu" / "ville" / "année" / "soirée" etc. Vous pourrez ensuite renseigner les mots-clés photo par photo ou par sélection multiple à l'issue de votre travail d'édition. Ce sera facilité si vous renseignez un maximum de mots-clés dès l'importation.
Etape 2 - Notez tout ce qui vous intéresse
Dans le module d'édition de Lightroom, chaque photo est associée à une "note" de 1 à 5 étoiles. Ce système est utilisé de manière universelle pour classer vos photos, vous pouvez d'ailleurs noter vos photos directement sur votre appareil si ça vous chante (ou si c'est votre métier et que ça vous facilite votre travail, ou si vous avez un assistant mais là je vais commencer à être jaloux).
Je note toutes mes prises de vues sur une journée ou un événement, en regardant l'intégralité de ce que j'ai pris car je ne jette rien. Je n'efface aucune photo pendant les prises de vues de peur d'effacer une photo dont je n'aurais pas vu l'intérêt sur un tout petit écran. Les cartes mémoires modernes sont suffisantes maintenant pour ne rien jeter.
Sur mon premier passage je note TOUT ce qui m'intéresse avec un classement 1*.
Etape 3 - Editer c'est comparer
Vous vous rendrez compte avec l'expérience que c'est toujours par comparaison que vous allez décider de garder une photo plutôt qu'une autre. Quand j'ai un doute sur la première étape, je garde la photo car je sais que je reviendrai dessus. Ainsi j'ai souvent des "doublons", plusieurs versions d'une photo, ces clichés se ressemblent à quelques détails près.
Une fois ma première sélection de photos 1* faite, je trie ma bibliothèque pour n'afficher que les photos sélectionnées.
Puis je recommence, avec pour idée de ne garder que les meilleures, en les notant 2*.
C'est également à cette étape que j'applique généralement un "pré-réglage" ou "preset" sur Lightroom, pour avoir des versions des photos quasiment définitives.
Etape 4 - Créez un ensemble cohérent
Vous avez compris, je vous recommande de visionner 5 fois votre session, à chaque fois en ne gardant que les meilleures.
Lors de mon 3ème passage sur les photos, j'ai un objectif éditorial, ce sont les photos que je vais utiliser ou transmettre. C'est à ce moment que j'essaye d'éviter les doublons et de décider quelle version d'un cadrage je vais garder. C'est la phase où j'élimine plus que je ne choisis.
L'ensemble de mes photos 3 étoiles sont susceptibles d'être transmises, il ne doit rester ici que des photos qui servent l'objectif de ma session photo (pour un client ou pour moi). Ce sont les photos qui me font le plus réagir, pour lesquelles j'ai le plus d'affection.
Lors de vos premiers shootings ne soyez pas surpris de n'obtenir qu'une seule photo 3* tous les 10 clichés, voire moins. Avec les expériences qui s'accumulent vous pourrez probablement vous approcher d'1 sur 5.
Attention je parle de photos que vous POUVEZ utiliser, mais en pratique je vous conseillerais de n'utiliser que des 4 étoiles.
Etape 5 - Ne publiez que des 4*
Vous allez recommencer une 4ème fois. Puis une 5ème. A chaque étape la sélection deviendra meilleure que la précédente, comme une sorte de tournoi dans lequel serait engagées vos photos pour gagner votre coeur.
4* : Les photos remarquables, parfaites techniquement et en composition, tout à fait en ligne avec ce que vous essayez de raconter ou avec la commande qui vous est passée.
5* : les photos exceptionnelles. Ce sont celles qui me bouleversent pour une raison inexpliquée. Elles sont rares. Très rares. Certains disent qu'on en prend une sur 10 000 clichés. Je suis assez d'accord, j'ai plutôt pour habitude de dire qu'on en prend une par an, mais c'est peut être un peu plus que ça pour moi. Mais quand je débutais en photographie, avant d'être professionnel, je prenais à peu près 10 000 clichés par an. Donc tout ça me parait à peu près cohérent.
Je ne rentrerai pas ici dans le débat de ce qu'est une "bonne" photo, mais reconnaissons que certaines photos sont tout de même "meilleures" que d'autres, pour des raisons parfois objectives, parfois subjectives.
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En réalité je passe maintenant rarement 5 fois sur mes photos, du fait de l'expérience. Mais je le faisais au début. Vous verrez le bénéfice de passer plus de temps sur vos photos, de passer plus de temps à les comparer, à les évaluer, à noter les détails rédhibitoires sur des photos qui paraissaient intéressantes.
Toutes les erreurs que vous observerez vous serviront au prochain shooting. Vos décisions de déclenchements se passent souvent en une fraction de seconde, malgré tout ce que je pourrai écrire vous n'aurez jamais le temps de penser à tout, c'est votre travail antérieur, à l'édition, qui vous permettra d'obtenir de meilleur clichés.
Mon conseil est d'être dur avec vos photos, soyez intransigeant et vos prochaines photos n'en seront que meilleures. Et s'il vous plait ne publiez que des photos qui représentent votre meilleur travail. Ne partagez publiquement que des 4*, même si elles sont peu nombreuses.
Je suis le premier à me dire que je n'aurais pas dû publier telle ou telle photo parce qu'elle n'est pas parfaite ou incohérente avec ce que j'essaye de faire globalement dans ma photographie. Ne tombez pas dans le piège du like, ne publiez que vos meilleures photos.
Etape 6 - Choisir c'est renoncer
En éditant vous apprendrez à voir ces petits détails qui feront une différence, par exemple que certaines positions des jambes sont plus équilibrées que d'autres, que certains cadrages fonctionnent mieux avec quelques millimètres de différence, vous verrez des détails d'expressions sur des visages qui sont totalement incompatibles ou simplement sans intérêt.
Et vous éliminerez des photos. Beaucoup de photos. Notamment des photos qui vous semblaient intéressantes à la prise de vue, ou quand elles étaient mélangées avec des 1*. Mais vous devrez couper, souvent.
La règle en édition est que s'il y a un doute, il n'y a pas de doute : vous ne gardez pas cette photo. Une "bonne" photo est une évidence, immédiate, qu'elle soit au milieu d'autres photos ou toute seule sur un mur. Et les photos qui tiennent au mur sont rares.
Cet article est une section du livre VA - Lettre à un(e) jeune photographe.
Le conte de la cage vide
Un homme s’était vu lancer un pari par un ami : « Si tu accroches aujourd’hui chez toi une cage vide, tu peux être sûr que, dans quelques jours, tu te retrouveras à t’occuper d’un oiseau. » Ce à quoi il avait répondu : « Comment serait-ce possible ? Il n’y a aucun lien de cause à effet entre accrocher une cage vide et s’occuper d’un oiseau. » Son ami répliqua : « Je lance le pari. Accroche la cage, et on verra bien. » L’homme le prit au mot et accrocha une cage vide dans sa maison.
Peu de temps après, il reçut un visiteur qui, apercevant la cage, lui demanda : « Où est passé ton oiseau ? Il est mort ? Il s’est enfui ? C’était quoi comme oiseau ? Je peux t’en offrir un autre si tu veux. » L’homme tenta de lui expliquer toute l’affaire. Le lendemain, il reçut un nouveau visiteur : « Tu gardes une cage vide comme ça ? Tu dois être bien triste ! Il est mort quand, ton oiseau ? Ne serait-ce pas que tu ne sais pas t’y prendre avec les oiseaux ? Je t’achèterai un livre qui explique comment s’en occuper, ça te sera très utile. » Le troisième jour passa un nouveau visiteur. Celui-là tenait un oiseau entre ses mains. Il dit : « Tout le monde a vu que ta cage était vide. Comme c’est dommage que ton oiseau soit mort ! Je t’offre cet oiseau et aussi des graines pour le nourrir. Et puis je vais t’expliquer comment tu dois t’en occuper. »
Un oiseau, des graines, un livre : l’homme commençait à trouver la situation bien lourde. Et ce n’était pas fini. La semaine n’était pas terminée qu’il déclara : « J’abandonne. Je prends un oiseau. Comme ça, ça m’évitera de me voir demander à longueur de journée où est passé mon oiseau. » Et c’est ainsi que la cage vide se trouva un nouvel occupant.
Si je suis devenu photographe, c’est parce que j’ai commencé à avoir un appareil photo avec moi tous les jours, tout le temps. Mon appareil photo est devenu ma cage vide.
Être photographe, ce n'est pas forcément photographier tout le temps, mais c'est pouvoir photographier constamment. Votre photographie commence autour de vous, où que vous soyez, peut-être en bas de chez vous. Je ne saurai trop vous recommander d'explorer votre quartier, de sortir de chez vous juste pour photographier. Ce peut être vos amis, votre famille, vos connaissances, vos rencontres, je ne connais pas de petite histoire qui ne soit intéressante à photographier.
En vous donnant toujours un possible, vous pratiquerez plus votre composition, vous approfondirez vos histoires, vous vous poserez peut-être plus souvent la question d'Henri Cartier Bresson, celle que se posera celui qui regardera vos photos : "de quoi s'agit-il ?".
Avoir un appareil photo en permanence sur soi est une contrainte, mais c'est aussi une liberté : la liberté de toujours pouvoir être créatif. Et je ne vois rien de plus merveilleux.
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Nota Bene : un téléphone est aujourd'hui un appareil photo. Disons que je ne considère ce conseil valable pour votre téléphone que si vous vous en servez effectivement pour pratiquer votre photographie quotidiennement :)
Contrôlez le mouvement - le mini-guide de la vitesse
Lorsque vous prenez une photo, l'obturateur de votre appareil photo s'ouvre et laisse passer la lumière. Il reste ouvert pour une certaine durée, en général simplement un fraction de seconde, puis se referme et s'interpose avec la lumière. Cette durée exprimée comme une fraction de seconde ou en secondes est appelée : Vitesse.
Pour différentes raisons que nous verrons plus bas, vous voudrez parfois contrôler cette "vitesse". Le meilleur moyen est alors d'utiliser le mode de prise de vues "Priorité Vitesse", S ou Tv sur votre molette de mode de prise de vues.Le mode 'Priorité Vitesse' vous permettra de contrôler la vitesse dans votre exposition, alors que l'ouverture sera réglée par votre appareil photo.Votre appareil photo indique la vitesse :
soit comme une fraction : 1/500 - 1/250 - 1/125 - etc.
soit avec le dénominateur de cette fraction : 500 - 250 - 125 - etc.
si vous réduisez votre vitesse suffisamment, le sigle des secondes apparaitra : 0.5" - 1" - 2" - etc.
Dans tous les cas, le rapport à la lumière est inversé : plus la vitesse est 'rapide' (1/500 de sec est plus rapide qu' 1/125 de seconde), moins vous laisserez passer de lumière.Comme chacun des membres du triangle d'exposition, votre réglage de vitesse sera d'abord une contrainte vis-à-vis de la quantité de lumière disponible.
Selon le principe général du triangle d'exposition, s'il fait plus sombre et que la quantité de lumière disponible est moins importante, vous devrez utiliser des vitesses plus lentes pour capter la lumière plus longtemps. À l'inverse si la quantité de lumière est plus importante, vous devrez choisir une vitesse plus rapide. Si pour une raison créative vous souhaitez maintenir votre vitesse, vous devrez alors compenser avec les autres réglages du triangle d'exposition : l'ouverture ou la sensibilité.
Le contrôle du mouvement
Bien sûr, le contrôle de la vitesse d'obturation est d'abord un outil créatif. La vitesse vous servira avant tout à contrôler, je vous le donne en mille : le mouvement. Vous voudrez être suffisamment rapide pour figer une scène en mouvement, ou suffisamment lent pour réaliser un 'filé' ou utiliser une pause lente avec ses effets si particuliers.
Il n'y a malheureusement pas de raccourci dans ce domaine, vous devrez apprendre les effets de chaque niveau de vitesse.
Mais puisque la vitesse est dans le triangle d'exposition, vous voudrez parfois utiliser une pause lente pour pouvoir fermer votre diaphragme. Par exemple un matin avec peu de lumière, si vous réalisez un paysage avec une ouverture F16 pour avoir une longue profondeur de champ et une sensibilité faible pour minimiser le bruit, vous n'aurez plus qu'un moyen d'avoir une photo convenablement exposée : en rallongeant le temps de pause. A l'inverse dans des conditions de lumière en plein soleil du midi, vous utiliserez parfois des vitesses très rapides pour limiter la quantité de lumière, et ne pourrez pas utiliser certaines vitesses sans l'utilisation de filtres.
Pose lente : 20 secondes
Filé : 1/15e de secondes
Filé : 1/30e de secondes
1/250e de secondes
1/400e de secondes
1/250e de secondes
1/1000e de secondes
Attention à votre focale
La vitesse est également une contrainte vis à vis de la focale que vous utilisez. Si vous n'êtes pas assez rapide et que vous utilisez une focale très longue (un niveau de zoom très élevé), vous aurez le risque d'obtenir un 'flou de bougé' sur votre photo.
Il est compliqué de donner une règle exacte sur les flous de bougé, puisque votre focale réelle dépend aussi de la taille de votre capteur, et que les stabilisateurs de capteurs rentrent également en ligne de compte...
Pour faire simple, faites attention à avoir un niveau de vitesse au moins équivalent à votre focale :
si vous avez un objectif 50mm, votre vitesse minimum devrait être au moins 1/50, ou plus rapide (1/100 - 1/125 - etc.)
si vous utilisez un téléobjectif 200mm, votre vitesse devrait être au moins 1/200, ou plus rapide (1/400 - 1/1000 - etc.)
si vous avez monté un zoom sur votre appareil, cela dépend du niveau de zoom que vous êtes en train d'utiliser :)
Quand utiliser le mode 'Priorité Vitesse' ?
J'utilise personnellement le mode priorité vitesse dans deux principaux domaines :
le reportage
la photographie de rue
En utilisant le mode priorité vitesse avec une vitesse de 1/250e de secondes, je peux figer la majorité des scènes que je croise, cela me permet le plus souvent possible de ne pas penser à mes réglages. En reportage comme en photographie de rue, cela me permet de capturer des scènes qui passent très vite, dont l'intérêt que j'ai vu peut être très éphémère.
C'est en fait mon réglage de base, qui est par défaut sur mon appareil. Si je dois contrôler ma profondeur de champ pour un portrait ou un paysage, je passe en mode priorité ouverture ou en manuel.
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Ce que j'ai appris au Mali
Ce récit date de 2013, quand j'essayais de devenir photographe professionnel. Ses enseignements sont toujours valables, mêmes si vous n'êtes pas professionnels, notamment sur le besoin de préparation pour le reportage.
Vite, vite, vite.
Le 8ème jour - Sur la route de Djibo à Mentao, Burkina Faso. Et voilà que maintenant j'ai soif, il ne manquait plus que ça. Je suis assis à l'ombre d'un acacia, la température extérieure est proche des 50 degrés, il est bien normal que la soif vienne. Devant moi je regarde le scooter loué le matin même à Djibo avec honte. Évidemment j'aurais dû faire le plein avant de partir vers le camp de Mentao, évidemment. David qui occupait le siège arrière est reparti en stop vers la ville pour y remplir une bouteille d'essence, pendant que je garde l'objet de ma honte.
"Vite, vite, vite". Voilà les seuls mots que je suis sûr d'avoir compris de cet enfant qui est venu me voir il y a quelques minutes. Il est apparu derrière moi, sans que je sache bien d'où il venait. Il semblait vouloir aller vers Djibo et que je l'y accompagne, je lui répondis que sans essence ce serait compliqué. Il me proposa alors d'aller cherche de l'essence à son village, pour une somme qui me paraissait honnête. Mais devant sa main tendue qui attendait son dû, je tentais de lui expliquer de revenir avec l'essence et de la monnaie, n'ayant qu'un billet de 10 000 CFA sur moi (Environ 15€). L'enfant me répondait à chaque tentative "vite, vite, vite", en me montrant son village.
Je finis par lui laisser mon gros billet en me disant que de toute façon il ferait un heureux si je ne le revoyais pas. Vite, vite, vite. Tu parles, ça fait 15 minutes que j'attends, et maintenant j'ai soif. Combien de temps faut-il pour aller jusqu'au camp de réfugiés de Mentao ? 15 minutes tout au plus, quand on a de l'essence. Voilà ce que je me dis en pestant contre ma bêtise qui me parait grandir à chacune de mes décisions.
Et combien de temps pour venir jusqu'à cette route ? Pour y laisser un scooter, un camarade en stop et un billet dans les mains d'un enfant ? Depuis Paris je n'ai fait que cela, perdre du temps sur la route qui me parait bien plus longue maintenant que je suis tout proche du but. Une journée perdue à Alger pour avoir laissé trainer mon passeport à Orly, une journée à Bamako pour obtenir le laisser-passer nécessaire pour remonter au nord du Mali, 15h de Bus pour remonter vers Mopti et retrouver David, 2 jours de trajet en voiture jusqu'à Djibo, et 2 jours de plus pour obtenir les autorisations de travailler du Burkina. 8 jours de trajet non-stop, pour finir avec un scooter en rade et un enfant qui me répond "vite vite vite".
Première leçon : Voyager prend du temps. Beaucoup de temps.
Depuis que j'ai décidé de rejoindre David qui est en reportage au Mali pour y produire des photos, je n'ai quasiment fait que ça : voyager. Et pendant ce temps là je n'ai pas beaucoup de photos susceptibles d'être intéressantes. A ceux que je croise qui me demandent ce que je fais là, je leur réponds que j'apprends le métier. Il est bien normal que cet apprentissage passe par quelques leçons, même un peu douloureuses.
David reviendra avec de l'essence, derrière une moto d'un Touareg qui faisait le même trajet que nous vers le camp. Mais l'enfant était déjà revenu. J'attendais David avec ma soif étanchée, ma poche remplie de monnaie, et un réservoir déjà plein d'un litre. Et nous avons pu enfin commencer à travailler, pour ma part à produire quelques photos.
Le raccourci
Le 15ème jour - Sur une pirogue entre Mopti et Tombouctou, Mali. Il n'y a pas de raccourci. On ne peut pas apprendre ce métier aussi vite, en passant simplement 3 semaines sur le terrain. Mais cette fois je vais avoir le temps de méditer cette nouvelle leçon : il n'y a pas de raccourci. Pendant 3 jours et 3 nuits sur un sac de riz.
Il est 17h, une heure avant le coucher du soleil l'heure magique commence et avec elle sonne l'appel de mon boitier photo. Je me retourne de mon inconfortable position, la meilleure que j'ai trouvée, et je cherche dans mon sac mon appareil. Avec David et notre guide nous occupons presque 1/3 de l'espace disponible dans la pirogue, nous avons la place pour allonger nos jambes quand la trentaine d'autres occupants est entassée dans des positions que je ne souhaiterais pas à mon pire ennemi. Femmes et enfants sont à l'arrière, prêt du moteur.
Je sors mon reflex du sac, enroule la bandoulière autour du cou, et je grimpe sur le toit de la pirogue, entre un matelas et un meuble qui y sont attachés. Avec le peu d'arrêts que nous avons effectué en deux jours, pas facile de se dégourdir les jambes et c'est une belle occasion car le coucher de soleil s'annonce magnifique. Les quelques clichés que je prendrai ce soir là sont probablement les plus spectaculaires qu'il m'ait été donné de réaliser. Pour cela j'en suis heureux et peut-être qu'un jour pas si lointain la route de Mopti à Tombouctou en pirogue redeviendra touristique et que ces clichés prendront quelque valeur. Mais pour l'instant ils ne valent rien, et nous avons manqué notre sujet. Notre objectif était de remonter vers Tombouctou en accompagnant une personne qui remonte vers cette région pour la première fois après s'être enfuit.
Mais la faute à une trop grande précipitation de notre part, et à un fixer qui passait son temps à mentir dans ses commentaires ou traductions, les personnes rencontrées ne permettaient pas de réaliser le sujet. 3 jours et 3 nuits sur un sac de riz, et pas de boulot possible au bout. Assez de temps pour méditer et repenser à ce que me disait le chef de la gendarmerie à la frontière du Burkina quand nous revenions de Djibo : "C'est le raccourci qui a tué le rat".
Le 12ème jour - Djibo, Burkina Faso. Le chef de la gendarmerie me disait cette expression chatoyante avec un large sourire, juste après avoir accepté mes excuses : "c'est le raccourci qui a tué le rat". Il faisait référence à un défaut d'autorisations que nous avons dû attendre 2 jours à Djibo. Devant notre absence d'autorisation, le chef de la gendarmerie locale nous imposa pendant 2 jours une escorte armée 24h/24 et des formalités qui allongeaient notre voyage d'une heure à chaque gendarmerie... Il y a quelque chose de cocasse à voir un gendarme Burkinabé en chemise à fleur épier tous ses faits et gestes, mais sur le moment je l'ai assez mal pris.
Lors du retour par ce poste de douane, je présentais donc mes excuses pour n'avoir pas compris ce qui nous arrivait et protesté contre ces attentions sécuritaires que je voyais comme un boulet de plus à nos pieds. Et dans un éclat de rire le chef de gendarmerie me répondit ce proverbe. C'est le raccourci qui a tué le rat, car en quittant sa route le long du mur pour aller directement au fromage, il s'est fait attrapé. Je ne crois pas avoir beaucoup apprécié d'être comparé à un rat, mais la truculence du chef l'emporta, nous rions aux éclats. Et la leçon était là.
Deuxième leçon : Etre prêt. Que ce soit pour une autorisation ou un voyage en pirogue, il faut être prêt. Donc préparé.
Les 10 000
le 20ème jour - Bamako, Mali. Je reviens de ma dernière chance de produire des photos à Bamako. Nous avons passé 2 heures sur la décharge publique du quartier de Doumanzana, où les personnes qui y travaillent gagnent 100 CFA (15 cts €) par jour. Ces 2 heures ont donné combien de photos potables ? Une douzaine selon mes critères. Mais est-ce un sujet qui pourrait intéresser un magazine, un titre de presse ou des agences de photographes qui les fournissent ? Probablement pas.
En sélectionnant et en éditant mes photos je me dis que je suis encore loin du compte. Et je pense aux 10 000 photos d'Henri Cartier Bresson, aux 10 000 de son expression : "Vos 10 000 premières photos sont les plus mauvaises". Et en parcourant mes photos réalisées en presque trois semaines, je me dis que je suis loin du compte, même avec 30 000 déclenchements l'année dernière. Je n'avais jamais pris autant de photos qu'en 2012 et je pensais m'approcher d'une certaine qualité. Mais combien sont publiables ?
Ce nombre 10 000 me renvoie à une connexion que je n'avais jamais faite. La règle des 10 000 heures de Malcolm Gladwell. L'auteur d'Outliers y explique que 10 000 heures sont nécessaires dans une pratique pour être qualifié d'expert, pour maitriser un domaine. A raison d'une bonne photo par heure, il va m'en falloir du temps pour devenir photo-journaliste. Devant l'ampleur de la tâche, mes bras tombent. Je repense à mon départ, à l'arrivée à Bamako les yeux et le coeur vaillant, ambitieux. Je revois quelques instants à Djibo, je me repasse les longues conversations avec Clare Morgana Gillis un matin où pendant que nous attendions nos autorisations du Burkina, Clare se préparait pour continuer son travail sur les camps. Alors que j'essayais de lui expliquer qu'un blog pouvait être une source de travail s'il était alimenté régulièrement, elle me racontait comment tout avait commencé pour elle, en Lybie l'année dernière. N'ayant pas eu avant l'occasion d'une connexion internet décente, je cherche donc ses textes sur le web.
Je crois avoir senti des larmes 2 ou 3 fois à la lecture du texte de Clare : What I lost in Lybia - Elle y raconte dans un texte d'une force incroyable sa captivité en Libye dans une prison de Khadafi, et la perte d'un confrère qui était avec eux au moment de l'assaut fatidique. Les quelques mots que nous partagions avec Clare à Djibo prennent un autre sens. Comment Clare a-t-elle commencé ses aventures journalistiques ? En restant en Libye du côté des rebelles quand tous les journalistes fuyaient la percée de l'armée de Khadafi. Un de ses compagnons d'infortune, James Foley, a depuis à nouveau été capturé en Syrie.
Au coeur du texte de Clare se trouve le sens de ce métier : "Etre le témoin de l'histoire au moment où elle se déroule". Si la littérature se consacre au "temps qui reste", le journalisme lui serait dédié au "temps qui passe". Et il n'y a qu'une seule manière d'être témoin, à plus forte raison pour un photographe.
Troisième leçon : Etre là.
Mon temps est passé. Les 3 semaines que j'ai vécues au Mali me paraissent bien courtes. Elles sont un enseignement, sur le Mali, sur le métier de journaliste, et sur moi-même. Une fois ces leçons apprises, je n'ai qu'une envie : me préparer, être là-bas, et recommencer.
Le Triangle d'Exposition - Un triangle pour les gouverner tous
Le triangle d'exposition est un outil de compréhension de votre appareil photo. Rien de plus.
Il permet d'appréhender plus facilement la manière dont votre appareil photo capte la lumière et de synthétiser le rapport entre ses trois composantes :
Le principe général du triangle d'exposition est de représenter ces trois réglages comme un surface, avec plusieurs conséquences :
ces trois réglages sont intimement liés
si vous en modifiez un, pour maintenir une quantité de lumière suffisante, vous devrez compenser avec l'un des deux réglages
Ainsi les 3 réglages de base de votre appareil photo sont interdépendants et une contrainte pour exposer suffisamment votre capteur. Mais ce que nous verrons et répéterons est également que ces trois réglages sont des outils créatifs, que nous verrons en détail dans les pages suivantes.
Ce qui est important de comprendre pour l'instant est que pour une certaine quantité de lumière disponible, vous aurez des dizaines de triangles d'exposition différents, selon ce que vous voudrez réaliser créativement.
Pour une quantité de lumière donnée, vous devrez compenser la modification d'un des 3 réglages d'ouverture, vitesse ou sensibilité par l'un des deux autres si vous souhaitez conserver une exposition constante.
Ainsi sur une scène, vous pourrez modifier l'un des trois réglages selon votre intention créative, mais pour une exposition constante cela aura une conséquence sur les deux autres réglages du triangle d'exposition.
Vous voulez une plus faible profondeur de champ ? Vous réglerez votre ouverture. Une ouverture plus grande vous donnera plus de lumière sur votre capteur/pellicule, vous aurez besoin d'une vitesse plus rapide pour compenser.
Vous voulez augmenter votre ouverture sans une vitesse plus rapide ? Vous devrez baisser votre sensibilité, si vous en avez la capacité.
Sur les 3 réglages présentés ici la quantité de lumière captée est strictement identique :
sur le premier la profondeur de champ est raisonnable, avec un léger risque de bruit numérique
sur le second en ouvrant jusqu'à f/4, cela impose une vitesse d'obturation de 1/500 de seconde
à l'inverse sur le troisième réglage une vitesse d'obturation lente au 1/30 de seconde permet de fermer le diaphragme jusqu'à f/16 et ainsi d'avoir une plus longue profondeur de champ.
L'important est de bien comprendre que chacun des 3 éléments du triangle d'exposition sont :
soit une contrainte vis-à-vis de la quantité de lumière disponible
soit un outil créatif, et c'est bien là l'essentiel
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Pour aller plus loin :
Qu'est-ce que je vois ?
Vous ne pourrez ni la prendre, ni tomber dessus. Vous voudrez peut être l'attraper ou l'amadouer, mais elle est fondamentalement insaisissable : la lumière.
Quand je commençai mon activité de photographe professionnel, presque chaque commande était une situation nouvelle. Alors que je produisais quelques photos et vidéos pour les réseaux sociaux d'un salon porte de Versailles, j'ai eu la chance de partager mon temps avec Svend Andersen dont la phrase reste marquée au fer rouge dans ma mémoire.
Quelques jours plus tard je devais réaliser des portraits en studio pour une équipe nationale de sport en prévision des jeux olympiques de Rio, ces portraits devaient être utilisés dans toutes les communications de la Fédération. Je savais travailler en studio, mais je manquais clairement de confiance pour ce projet qui me paraissait ambitieux pour mes compétences encore un peu jeunes.
Pendant une pause, alors que Svend enchainait les portraits toute la journée dans le studio qu'il avait installé sur place, je lui fis part de mes doutes et de mon envie de bien faire, je lui demandai conseil. Il eu cette phrase toute simple, apprise lui-même de son mentor dans ses jeunes années de photographe : "Qu'est-ce que je vois ?".
Svend me dit de me poser cette question, et que ce serait probablement une solution à mon problème. Quand il a prononcé cette phrase tout m'apparut immédiatement, comme une évidence. Comme si j'avais toujours su que c'était la seule question à se poser. Cela peut vous paraître absurde car justement trop évident, mais prenons le temps de considérer cette question.
- Qu'est-ce que je vois ? répétais-je.
- De cette question, tout découle
- La lumière, bien sûr. C'est la lumière.
- Cette machine à café manque de lumière, il y a simplement une petit ampoule très jaune au dessus. Mais là, regarde. La lumière de la mi-journée est forte, elle entre par cette grande fenêtre dans le hall d'exposition, et crée cette sorte de brume dans la poussière des stocks qui sont remués dans la pièce à côté.
Je regardais cette immense fenêtre et cette lumière qui créait des petites arabesques de poussière par dessus les cloisons comme si j'avais eu une épiphanie. Cet affreux hall d'exposition de la Porte de Versailles était le plus bel endroit au monde. Et je savais instantanément comment réaliser mes photos quelques jours plus tard. Comment est la lumière ? Quelles sont les conséquences sur mes réglages, sur ce que je veux en faire ? Comment modifier la lumière avec les sources disponibles dans le studio ? Dans quelle direction, avec quelle intensité ?
Qu'est ce que je vois ? Cette phrase s'applique aussi à mes portraits, quel est le regard, quelle est l'attitude ? Je n'avais plus qu'à indiquer ce que je souhaitais.
Vous êtes le roi d'un seul sujet
La lumière est vraiment le seul sujet en photographie. Pour prendre de meilleures photos, vous devez tout le temps considérer la lumière, et commencer à penser à elle comme un objet qui a le pouvoir de tout changer. Tout dépend de la lumière dans votre photographie. Un endroit éclairé peut paraître incroyable une minute, et sans aucun intérêt la suivante, simplement à cause de la lumière.
Posez-vous cette question, vous verrez que les réponses sont toujours dans la lumière. Quelle ambiance la lumière crée-t-elle ? Est-elle dure ou douce ? Intense ou légère ? Comment affecte-t-elle l'espace ou l'atmosphère autour de moi ? Notez comment la lumière change les couleurs ou les textures, pendant un lever de soleil par exemple. Regardez comment la lumière va attirer votre attention sur un élément ou un autre. Bien sûr vous pourrez l'utiliser vous-même et attirer l'oeil de celui qui verra votre photo sur un sujet ou un autre.
Vous ne pouvez pas vraiment la saisir, mais vous pourrez la capturer et la diriger grâce à la composition photographique. La lumière est votre seul sujet.
Je ne suis pas un numéro ! - Le mini-guide de l'ouverture
Si vous débutez en photographie, vous ne pouvez pas faire l'impasse sur l'apprentissage de la pure technique. Voici le premier "mini-guide" de ce livre (ou série d'articles si vous le lisez sur mon blog), une section courte pour apprendre l'essentiel sur un élément technique.L'ouverture est un des éléments du triangle d'exposition, représentée sur votre appareil par l'unité F.
L'ouverture F = f/D
Dans ce schéma D est le diamètre de votre optique, qui laisse passer une certaine quantité de lumière, 'petit f' représente la distance entre votre optique et votre capteur numérique (ou votre pellicule en argentique). Notez que le symbole représentant le capteur numérique et présent sur une majorité d'appareils photo, probablement aussi sur le votre.La quantité de lumière que laissera passer votre optique dépend de son diamètre. Puisqu'il est le dénominateur de la fraction F, on comprend facilement que :
plus l'unité d'ouverture F est faible, plus vous aurez de lumière
plus le chiffre F est petit, plus l'ouverture est grande (oui je sais c'est la même phrase :) )
Le contrôle de l'ouverture sur votre appareil photo correspond au contrôle du diaphragme qui vous permettra de réduire le diamètre de votre optique, ou au contraire de l'augmenter dans les limites de sa capacité.Ainsi chaque optique a une capacité à l'ouverture plus ou moins grande. C'est d'ailleurs marqué dessus, voyez comme la vie est bien faite.
Pour vous entrainer à contrôler l'ouverture de votre appareil photo, le meilleur moyen est de passer en mode semi-automatique 'priorité à l'ouverture' sur votre molette de réglage du mode de prise vues. Le mode 'priorité à l'ouverture' signifie que vous allez pouvoir modifier l'ouverture avec votre molette de réglages, la vitesse sera adaptée automatiquement par votre appareil en fonction de la quantité de lumière disponible.
Je ne suis pas un numéro !
Oui bon d'accord, c'est bien joli tout ça mais pensez bien s'il vous plait que rien ne sert de se gloser d'une optique à grande ouverture. L'ouverture, comme chaque élément technique qui vous sera présenté, n'est qu' UN OUTIL CRÉATIF. Voyons donc comment se servir créativement de l'ouverture.L'ouverture a une fonction créative principale qui est le contrôle de la profondeur de champ.
En réalité la profondeur de champ dépend de 3 paramètres : la distance avec votre sujet, la focale que vous utilisez et donc l'ouverture. Mais le seul de ces trois paramètres que vous contrôlez à un instant T, avec une optique et une distance à votre sujet données, c'est l'ouverture.Classiquement le contrôle de la profondeur de champ est utile dans 2 grandes pratiques en photographie : le portrait et le paysage
En portrait on peut souhaiter réduire la profondeur de champ pour isoler son sujet de son environnement, sur votre appareil cela signifie utiliser une "grande" ouverture, avec une unité F4.0 ou inférieure.
En paysage, on souhaite souvent avoir une très longue profondeur de champ. Il est ainsi souvent souhaitable de "fermer" à F8, F11 ou F16.
Notez que ce sont pas des règles mais des manières classiques de réaliser des portraits ou paysages, l'ouverture n'est qu'un outil créatif et vous pouvez l'utiliser à contre-couillons. Il existe quantité de portraits qui sont réalisés à F11, de paysages à F2.8, et de photographes brillants qui expriment leur créativité sans se préoccuper de l'ouverture.L'ouverture sera parfois une contrainte dans votre triangle d'exposition, vous aurez besoin "d'ouvrir" pour avoir suffisamment de lumière et exposer convenablement votre photo.
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Le meilleur outil que vous pouvez emmener avec vous
Quel est votre outil préféré, celui que vous emmenez partout avec vous ? Est-ce un petit appareil photo qui tient dans une poche ? un chiffon précieux pour nettoyer votre objectif ? Un porte carte ? Ils sont sans importance, un seul outil compte vraiment en photographie : votre créativité.Dans ma vie précédente j'avais la chance de voyager fréquemment à New York pour mes affaires. Pendant 4 ans je m'y rendais 3 fois par an au moins pour coordonner l'organisation d'un événement. Je passais chaque jour dans des bureaux, en rendez-vous avec des partenaires, des clients, des fournisseurs. Et quand venait le soir, ma seconde vie commençait. J'avais mon appareil photo au fond de mon sac avec une optique en plus, je visitais un nouveau quartier de New York par jour pendant 1h30 avant de trouver un endroit pour diner.Après quelques années d'exploration sans réelle maîtrise de ce que je produisais comme photos, j'ai eu envie de franchir un cap dans ma photographie. Je tombais fréquemment sur une offre de cours particuliers à New York d'initiation à la photographie documentaire, à la construction d'une narration dans sa photographie. Cela me semblait être un excellent début pour franchir ce cap.Me voici donc un samedi midi, après ma semaine de travail, me dirigeant vers ce cours que j'attends avec impatience, décidé à franchir un cap dans ma photographie. Nous avions rendez-vous dans un café au coeur du Chelsea Market, le soleil d'août chauffait le bitume et rendait le ciel presque blanc, mon sac était prêt, mes deux glorieuses optiques bien rangées, mes batteries pleines et mes cartes SD vides.
Saisissez l'inattendu
Après 5 minutes d'introduction de ma professeure, je compris que je m'étais trompé de cours. De photographie il n'était pas question, j'avais à faire à une enseignante en journalisme et en fiction, j'étais à un cours d'écriture.Ma première réaction a été de vouloir lui dire, de lui signifier leur erreur ou la mienne dans mon inscription. Mais je partais le lendemain de New York et je vis également que je ne pourrai pas suivre le cours que je souhaitais avant 3 mois. Je n'ai rien dit, je me suis dit que ce ne pourrait que m'être bénéfique. Je crois que c'est une des meilleures décisions que j'ai prises pour ma photographie.Pendant cette après-midi le long de la High-Line, j'ai appris à observer mon environnement et à le décrire tout simplement. J'ai découvert un monde que je ne soupçonnais pas, simplement en ouvrant mes yeux, en écoutant quelques conversations et en renseignant mon carnet de tout ce qui m'entourait.Je pourrais vous dire que ce carnet d'écriture est l'outil le plus important, que je l'emmène partout avec moi et que vous pourriez en faire autant. Mais en réalité l'outil le plus important, celui qui fera toujours une différence, c'est ma créativité.C'est ce que j'ai appris ce jour là en sortant de ma zone de confort. J'ai saisi cette opportunité de voir différemment, d'apprendre à raconter, de commencer à écouter avant de photographier. Evidemment j'ai pris quelques photos pendant notre exploration de la High Line, elles sont sans importance du point de vue de ma créativité, mais elles représentent pour moi ce moment décisif ou j'apprenais à écouter, à observer et à tenir le journal, écrit ou visuel, de ce qui m'entoure.3 mois plus tard je quittais ce travail que j'aimais tant avec la ferme intention de faire de la photographie ma vie. Et je garde toujours en mémoire cet après-midi ou je compris que le meilleur outil, celui que j'emmène partout avec moi, je l'avais déjà et n'avait qu'à le cultiver.—VA est un programme de 25 articles qui a pour objectif d’enseigner à un(e) photographe débutant à prendre de grandes photos. Rien que ça 🙂
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