5 leçons de photographie avec Daido Moriyama
J'ai découvert Daido Moriyama quand je me suis intéressé à Tokyo, alors que je devais m'y rendre pour écrire une histoire et réaliser Desert in Tokyo. Daido Moriyama est certainement une des raisons de mon retour à la photographie de rue comme pratique dominante.
Daido Moriyama dit pratiquer la photographie "instantanée", qui est ce que j'ai trouvé de mieux pour traduire "Snapshot Photography". Icône vivante de la photographie de rue Tokyoïte, on ne compte plus les livres et expositions qui présentent le travail de Daido Moriyama. Cet artiste est une institution au Japon, littéralement à travers la fondation à son nom, tout en pratiquant la photographie qui peut paraître la plus simple à réaliser.
Ses photos semblent prises rapidement, sans chercher la complexité. C'est simple et pourtant percutant, chaque image est pensée et provoque une émotion décidée par son auteur. La photographie de Daido Moriyama montre une physicalité différente de tout ce que j'ai pu observer, dans la manière qu'il a de produire ses photos. Par bonheur, Daido Moriyama propose dans son livre How I Take Photographs de le suivre dans ses pérégrinations Tokyoïte dans 5 quartiers différents, où il détaille sa pratique et sa manière d'appréhender la photographie.
Toutes les citations présentées ici sont extraites de ce livre et traduites de l'anglais par mes soins. Je ne saurai trop vous recommander de vous le procurer si vous voulez commencer à explorer l'œuvre de Daido Moriyama.
À la lecture de How I Take Photographs, plusieurs fois je me suis dit que je n'oserais pas proposer ces photos dans un livre, qu'elles pourraient paraître banales. Et pourtant, en série elles donnent parfois une impression de légèreté, à d'autres moments une pesanteur presque morbide. C'est un monde que je reconnais, et qui est aussi absurde et dur à apprécier. Le monde de Daido Moriyama a quelque chose de simple et rassurant : il est aussi moche que dans mes souvenirs, et aussi beau que la vérité.
Voici 5 leçons de photographie par le grand maître Daido Moriyama.
Le moment accidentel
La photographie instantanée, c'est capturer un mouvement naturel, l'expression de ce qui se trouve devant vous. C'est comme pêcher au filet. Votre désir vous pousse à le lancer. Vous lancez le filet, puis vous ramenez ce qui s'est passé - c'est un moment accidentel.
(...) Prenez des instantanés sur vos trajets quotidiens. C'est un bon moyen de comprendre votre propre pouvoir d'observation sur les choses les plus communes. Prendre des photos, encore et encore, vous entraînera à devenir de meilleurs photographes. (...) Toutes les techniques que vous apprendrez dans la rue peuvent servir en photographie commerciale.
Daido Moriyama - How I Take Photographs
Je préfère nettement la notion de moment accidentel à celle galvaudée d'instant décisif. Une photographie est un accident, car même si je crois composer, anticiper ou vouloir une photographie, je ne sais jamais vraiment ce que donnera le déclenchement. Et je ne saurai certainement pas si l'idée furtive que j'ai eue et qui me poussa au déclenchement donnera une photo qui fonctionne. En photographie de rue, et probablement dans tout autre genre, une photo est un essai bien plus souvent raté que réussi.
C'est pour cette raison qu'il me semble essentiel de pratiquer un maximum dans son quotidien. Cela sert à mieux se connaître, mais surtout cela sert à expérimenter des cadrages, des lumières, des angles ou des points de vue. En tout cas, ce fut ma manière de progresser. Je sais qu'il existe des photographes qui déclenchent peu, je suis définitivement dans les pas de Daido Moriyama sur ce point, boulimique du déclenchement.
Photo Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
L'endroit où vous ne seriez jamais allé
Il y a quelque chose d'unique dans le quartier de Ginza, aussi élégant et luxueux soit-il. (..) Ginza est spécial, propose quelque chose de différent par rapport à des endroits plus rugueux, comme Shibuya ou Harakuju, et spécialement Shinjuku. On ne devrait jamais écarter quoi que ce soit par principe. Particulièrement avec la photographie, vous devez absolument tout essayer. Bien sûr, clairement, tout le monde a ses préférences, et personne ne peut tout aimer. Mais si vous êtes trop pointilleux pour essayer quelque chose de nouveau, vous finirez par passer à côté de l'essentiel.
Daido Moriyama - How I Take Photographs
Je suis un adepte de l'expérimentation, sur les sujets, les lieux, les histoires. Quand je suis bloqué, je me demande où je n'aurais jamais eu l'idée d'aller prendre des photos. S'y rendre est presque toujours une bonne idée.
Une section entière du livre How I Take Photographs est consacrée à Daido Moriyama qui prend la place du passager pendant ses voyages en voiture. Personnellement, je monte toujours à la place du passager quand je le peux. Je m'y sens comme un enfant dans une montagne russe. Je vais voir des choses que je n'aurais jamais vues si je n'avais pas décidé de les photographier. Des formes, des pancartes, des scènes, le monde pressé de partir ou de rentrer.
Il y a quelque chose de nonchalant et paresseux de laisser les photos venir à soi, de ne pas marcher pour aller les chercher. Il faut accepter ce qui vient vers soi, que ce soit des montagnes, des rivières, des autoroutes ou des scènes de rue.
Photo Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
Attention maximale
Je vois beaucoup de jeunes, je suppose des étudiants, avec un appareil à la main qui marchent dans la rue. C'est très bien, mais si vous prenez des photos de manière aléatoire, je ne pense pas que vous arriviez à ce qu'il y a de plus important, qui est d'avoir une compréhension de ce que vous faites, de ce que vous voulez capturer.
Avec un appareil, vous arriverez à faire passer une image ou une autre pour une photo, mais ce n'est pas suffisant, pas sans un minimum de conscience.
C'est pourquoi je dis toujours à mes étudiants de choisir leur sujet et de l'observer attentivement. Donnez d'abord votre attention maximale, et ensuite prenez une photo. Et prenez beaucoup de photos. Parce que vous ne verrez pas ce que c'est à moins de prendre beaucoup de photos.
Daido Moriyama - How I Take Photographs
La photographie de rue, ça démarre comme un diesel. Ça prend un moment pour se mettre en route. Et puis, par l'observation ou la sérendipité, on essaye un cliché. Puis un autre. Puis tiens, et si j'allais là. Oh cette belle lumière. Tiens, comme il est curieux lui. En donnant toute mon attention à la prochaine photographie, je rentre dans cette zone où je vois comme la première fois, où tout devient une image possible. Ce moment de conscience est comme une méditation, seul cet instant compte et je ne veux qu'une chose : voir ce que ça donnera si je déclenche.
Photo Daido Moriyama
Photos Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
Photos Daido Moriyama
Chercher une meilleure photo
Qu'est-ce que j'attends ? et bien... rien de particulier. Juste que quelque chose arrive, n'importe quoi vraiment. Je n'attends pas quelqu'un ou quelque chose de spécifique pour aider ma composition. Mais si vous attendez, peut-être que quelque chose arrivera.
Et ce n'est pas à propos de la lumière non plus. Il n'y a pas de problème avec la lumière - je le sais sans avoir besoin de le vérifier.
Je me concentre uniquement sur le moment. Je pense à chaque instant profondément. Comment est-ce que je vais prendre ces prochaines photos ? Peut être qu'un passant au premier plan serait meilleur ? Peut-être que j'irai dans l'embrasure d'une porte ? Mais je ne vais pas m'obséder avec ça. Je me demande toujours comment est-ce que je vais prendre les prochains clichés. Je considère mes options, et cherche une manière de réaliser une meilleure photo.
Daido Moriyama - How I Take Photographs
Attendre est presque toujours une bonne idée. Et chercher une meilleure photo est pour ainsi dire le seul moyen de la trouver.
C'est tout ce que j'ai à dire à ce sujet.
Photo Daido Moriyama
L'appareil n'a aucune importance
J'ai toujours dit que l'appareil que vous utilisez n'a aucune importance. (...) Regardez, si vous avez un reflex ou un appareil grand format entre les mains, vous allez inévitablement penser à votre composition. Avec un appareil compact, vous avez juste à viser et photographier. De plus, un appareil si petit a une qualité d'image étonnante. Si les appareils compacts n'étaient que des jouets, et que je n'obtenais pas une image de bonne qualité, je ne m'en serais jamais servi pour tout ce que je fais, ce serait seulement de temps en temps. Enfin, de toute façon je n'ai jamais aimé trimbaler des sacs, des appareils lourds ou des trépieds. Si un appareil est petit, léger, et prends de bonnes photos, et bien que demander de plus ?
Daido Moriyama - How I Take Photographs
C'est une évidence, chaque appareil aura une une incidence sur vos mouvements, il transformera vos prises de vues. Avec un appareil compact, je vise et je déclenche, c'est aussi bête que ça. J'obtiens une liberté de mouvement incomparable.
Photographier uniquement avec un appareil compact me donne une liberté maximale pour m'approcher de mes sujets. Si je n'ai pas l'air d'un photographe, tant mieux, la vanité n'a jamais donné de meilleurs clichés.
J'ai découvert avec l'acquisition d'un Ricoh Gr que Daido Moriyama avait participé à la conception du premier modèle argentique, et qu'il utilisait encore ces modèles, anciens ou récents. Ce n'est pas une surprise, et cela me conforte dans cette décision d'alléger toujours plus le matériel qui m'accompagne au quotidien.
Daido Moriyama dans ses oeuvres
Photo Daido Moriyama
Photo Daido Moriyama
À titre personnel, Daido Moriyama me donne en vie de toujours photographier plus. Plus de noir, plus de couleurs, plus de personnages, plus de mon quotidien, plus de rencontres urbaines de chair, de métal et de béton.
Tout ce qui m'importe est que ce qui est en face de moi soit intéressant ou non.
Daido Moriyama - How I Take Photographs
Pour vous procurer le livre How I Take Photographs , ça se passe par ici.
Cinéma et Photographie - Angles et points de vue
Voici le deuxième article de ma série d'exploration de la cinématographie. La dernière fois nous avons vu les valeurs de plan, cette fois-ci nous analyserons les angles et points de vue. Comme pour les valeurs de plans, ces techniques de composition seront particulièrement utiles dans le cas d'une narration. Quelque soit le genre photographique que vous pratiquez, ces techniques narratives et manières de cadrer serviront dans la construction d'une série photographique, d'un projet de livre ou de quelque support qui présente votre travail en plusieurs photos.
Même si les plans présentés ici seront avant tout des personnages, les principes fonctionnent pour d'autres sujets. Ils fonctionneront également pour la composition d'une photographie unique, selon ce que vous voudrez évoquer par le point de vue que vous prendrez.
Vous verrez mieux j'espère l'importance du point de vue, et ce que disent l'angle et l'endroit d'où vous prenez une photo. Commençons tout de suite avec le premier angle, le plus évident : la contre-plongée.
Contre plongée - Low Angle
La contre-plongée est l'outil le plus évident à intégrer dans sa photographie. Cela va sans dire, mais dans ce cas la caméra vise "vers le haut".
Cela a un effet immédiat de rendre le sujet plus puissant, plus imposant, plus important. En cinématographie la contre-plongée est parfaite pour les protagonistes principaux, héros ou ennemis.
En photographie c'est le moyen le plus simple de magnifier votre sujet, de le rendre important et positif. C'est la raison pour laquelle certains photographes se jettent les fesses au sol.
À titre personnel, le dernier exemple qui me vient en tête est pour une de mes dernières commandes pour une salle de boxe. Pour mieux mettre en valeur les mouvements et donner une impression de puissance, j'ai usé et abusé de la contre-plongée, notamment sur les photos de plein pied.
En photojournalisme ou photographie documentaire, la plongée et contre plongée sont des outils évidents qui peuvent indiquer ce que veut montrer le photographe d'un sujet. Par exemple des manifestants pris en contre plongée pourraient laisser penser que le photographe est au service de leur cause.
Notez qu'en cinématographie, la contre-plongée peut être extrême ou très subtile, nous le verrons avec l'exemple de la "vue épaule". Enfin, cet outil n'est pas limité aux personnages, même si c'est avec eux que cela aura le plus de sens. En photographie, par exemple l'architecture est parfois prise en contre-plongée lorsque la focale n'est pas assez large, pour pouvoir saisir un élément dans son ensemble. Cela aura des effets très visibles sur la parallaxe, à moins d'utiliser des optiques à décentrement.
Kill Bill - Volume 1
The Dark Knight - Les antagonistes sont souvent représentés puissants,
pour que la menace soit réelle
Star Wars Episode V - L'Empire contre attaque - L'image iconique du vilain le plus connu de l'histoire du cinéma est une contre plongée.
Pulp Fiction
2001 L'Odyssée de l'espace - La contre plongée ne fonctionne pas que avec des humains
Inception - La contre plongée ne fonctionne pas que avec des humains
Les Affranchis - Joe Pesci vise le plan d'après
Casino - Joe Pesci abandonne devant cette caméra qui s'acharne
Plongée - High Angle
La plongée, vous l'aviez bien compris, est l'angle inverse, quand la caméra est dirigée "vers le bas". L'angle de visée peut être plus ou moins marqué, toujours avec la même intention quand il s'agit de personnages : diminuer leur importance, les montrer en position de faiblesse ou vulnérable.
Par exemple pour des super-héros pleins de super-pouvoirs, si vous voulez augmenter la tension et le danger et les présenter face à une menace au moins équivalente à leur pouvoir, la plongée va être assez logique.
Au cinéma, la plongée sera un angle très complémentaire de la contre-plongée dans la même scène pour montrer une différence de pouvoir ou une inégalité.
En photographie, l'effet sera strictement identique, dans le cas d'une narration sur une série de photos comme pour une photo unique. La plongée donnera un point de vue dominant au photographe, présentera le sujet comme diminué. Cet effet peut être un moyen d'accentuer une position de faiblesse, voire redondant si le sujet est déjà en difficulté.
Pour tout autre sujet que des personnes, la vue en plongée peut être un très bon moyen de réaliser un plan d'ensemble, de présenter un contexte avec un point de vue qui "prend de la hauteur".
Avengers - Comment présenter une menace pour des super héros ? En les prenant de haut.
Mad Max Fury Road - L'année 2020 qui contemple vos plus beaux projets
Blade Runner 2049
Kill Bill Volume I - Idée de mise en scène pour photographes de mariage
The Revenant
Une utilisation extrême de la plongée la transforme en plan aérien. Cet angle est idéal pour établir une scène, présenter paysage ou montrer des personnages qui se déplacent dans un environnement vaste.
Interstellar - vue aérienne pour accentuer l'hostilité de l'environnement et la solitude des personnages
Ad Astra - vue aérienne utilisée comme plan d'ensemble
Blade Runner
Casino - Juste avant la chute (no spoiler)
Kill Bill Volume I - Le but ici n'est pas de diminuer le protagoniste, mais de montrer la scène en entier
Vue du dessus (plongée à 90°) - Overhead
Poussée à 90°, la plongée devient une vue du dessus, aussi appelée "bird's eye" ou "god's eye" en anglais, "vue d'oiseau" quand le cadrage est éloigné, "vue omnisciente" quand on se rapproche d'un personnage.
La vue du dessus est parfaite pour montrer des actions complexes, elle
peut aussi être utilisée pour montrer une connexion spirituelle ou divine, Cet angle est enfin utile pour montrer une scène de crime insoutenable, positionnant le spectateur en juge suprême.
En photographie, voici le royaume des drones. Ce type de photographie peut être une spécialité, notamment en architecture ou en voyage. Vous trouverez des grands spécialistes de composition très graphiques par ce procédé, créant des relations entre des éléments improbables ou harmonieux.
Dans le cas d'une narration, par exemple d'une commande en architecture, se limiter à la vue de drone serait très réducteur. Cet angle est relativement récent en photographie, merci DJI ! Si vous en avez la possibilité, ce peut être un très bon complément ou plan d'ensemble. me rappelle de la couverture d'un magazine de voile réalisée au drone par un ami. La voile est un genre qui exploite parfaitement les caractéristiques de ce genre de plans.
North by Northwest - Peut être le meilleur, et sûrement le plus beau film d'Hitchcock
Tigre et Dragon - Les scènes aux mouvement complexes sont parfois plus faciles à comprendre vues d'en haut
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain - Vue omnisciente, ceci est également un Dutch Angle
Kill Bill Volume I
Taxi Driver
Blade Runner 2049 - cet angle est parfois appelé "god's eye", avec une symbolique spirituelle
Plan cassé ou débullé - Dutch Angle
Pardon mais je ne me fais pas à l'appellation française. Le Dutch Angle propose un cadre où l'horizon est fortement décalé.
L'effet immédiat est de créer un malaise chez le protagoniste ou le spectateur. Ce plan est souvent utilisé pour suggérer un état maniaque, la terreur, la perplexité, ou pour maximiser la tension et le suspense.
En photographie, cet angle est toujours étonnant. Décalez l'axe de l'horizon suffisamment pour que l'on voit que l'effet est volontaire. Si l'effet est trop léger, on pourrait croire que la photo n'est simplement pas droite. Si le sujet le permet, utilisez une perspective ou une diagonale dans un coin du cadre pour accentuer l'effet.
Mission Impossible - Tom est perplexe, et Brian de Palma est au Panthéon des cinéastes.
Mission Impossible - Contre plongée + Dutch Angle pour maximiser la tension, et tout montrer
L'armée des 12 singes - Bruce Willis face aux antivax
Django Unchained - Flasback terrorisant, le malaise est total
Joker - Créer le malaise pour expliquer la naissance d'un monstre
Hauteur d'yeux - Eye Level
Nous allons maintenant explorer les différents positionnements verticaux de la caméra, en commençant par celui largement le plus utilisé au cinéma : le plan à hauteur d'yeux.
La hauteur d'yeux est la manière la plus naturelle de regarder un personnage. Ce plan n'aura aucun jugement de valeur, c'est le meilleur moyen d'être en empathie.
En photographie, c'est le défaut que je vois le plus souvent chez ceux qui débutent : oublier de penser à son point de vue. Si vous ne faites pas attention au positionnement de votre appareil et ne photographiez qu'à hauteur de VOS yeux, vous aurez par exemple constamment une légère plongée qui diminuera vos sujets si vous êtes grand.
Cet aspect est particulièrement important dans la réalisation de portraits. Si vous voulez présenter une photo fidèle à la personne dont vous tirez le portrait, positionnez votre appareil à hauteur de SES yeux. Créez une légère contre-plongée en vous positionnant à hauteur d'épaule pour rendre votre sujet plus dominant. À l'inverse, une légère plongée peut affiner les traits du visage, mais à utiliser avec parcimonie pour ne pas diminuer votre sujet.
La hauteur d'yeux ne veut pas dire que le plan est neutre, plutôt qu'il est fidèle au sujet. Prenons l'exemple du Loup de Wall Street ou Leonardo Dicaprio parle face caméra à hauteur d'yeux. Ce plan permet de briser le 4ème mur, le personnage s'adresse au spectateur pour lui expliquer une situation, l'empathie est totale.
De la même manière il est fréquent en photographie, peut-être même recommandé, de briser le 4ème mur en portrait. Le sentiment d'empathie donné au spectateur n'en sera que plus fort si vous êtes à hauteur d'yeux.
Dunkirk
The Master - La hauteur d'yeux au cinéma et en photographie, mise en abîmes.
Forrest Gump
The Wolf of Wall Street - Si vous voulez rendre un escroc sympathique, filmez-le à hauteur d'yeux
Pulp Fiction
Interstellar
Deadpool - Le maître pour briser le 4ème mur, en BD comme au ciné
The Wolf of Wall Street - Pour rentrer dans la tête d'un personnage, faites-le parler au public
Hauteur d'épaule - Shoulder Level
Si la hauteur d'yeux est le plan le plus utilisé au cinéma, la hauteur d'épaule arrive juste derrière.
Avec une position légèrement plus basse, cela donne les avantages de la contre-plongée sans connotation trop marquée. Ce type de plan est naturellement très employé lors d'un dialogue, avec l'appellation
OTS (Over The Shoulder).
Ce plan peut-être très utile dans une situation romantique, il permet de souligner le regard. C'est toujours bon pour vos commandes en photo de mariage.
En photographie, utilisez-le pour donner un léger effet supérieur au sujet, ou pour montrer des interactions. À la différence du cinéma où l'on présente un dialogue avec le contre-champ, il sera préférable en photographie d'essayer de montrer les visages, donc parfois des profils qui se regardent.
Black Panther - RIP Chadwick Boseman
Pulp Fiction
Taxi Driver
Joker - Point de vue classique dans un dialogue
Rocky - Point de vue logique pour cette séquence d'entraînement iconique
Les Affranchis - "Mais pourquoi le photographe saccage la première danse ?"
Hauteur de Hanche - Hip Level
Je ne passerai pas trop de temps sur ce niveau de plan, utilisé surtout pour les westerns.
En photographie, j'imagine peu de cas de figures intéressants, à moins qu'un détail soit au niveau de la ceinture et que l'arrière plan soit intéressant.
En photographie de rue, c'est un positionnement d'appareil fréquent pour ne pas être repéré, en utilisant par exemple un écran orientable, voire en visant à l'instinct. Ce niveau peut donner des effets intéressants ou des scènes très naturelles, mais pour moi cela reste une exception et je n'imagine pas une série uniquement à hauteur de hanches. Mais peut-être que je me limite :)
Once Upon A Time In Hollywood
Reservoir Dogs - Est-ce un plan à hauteur d'épaule ou de hanche ?
Hauteur de genou - Knee Level
Comme pour la hanche,ce plan est souvent doublé d'une contre plongée. Mais c'est aussi une bonne manière au cinéma de suivre un personnage dans un environnement. Il est parfois utilisé pour montrer un détail qui n'était pas apparent sur un plan d'ensemble.
En photographie, c'est une bonne manière de cadrer de plein pied. En portrait par exemple si vous voulez grandir quelqu'un, sortez le télé-objectif et jetez vous au sol tel un photographe de studio sous amphétamines. Je vous taquine hein, j'ai la plus grande tendresse pour les photographes de vêtements et de mannequins de chair ou de cire.
Au cinéma, restons sur ce plan à hauteur de genou de légende pour montrer la transformation de Forrest, sous les cris "cours Forrest, cours !".
Forrest Gump
The Matrix
Kill Bill Volume I - Le diable est dans le détail
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain
Ground Level
Concluons cette exploration des tréfonds des angles et points de vue par le plan au niveau du sol. Il est naturellement presque toujours doublé d'une contre-plongée. Il peut aussi être utilisé droit pour montrer un détail en plan rapproché, ou suivre un enfant jusqu'à la chambre 237 dans ce plan mythique de Shining.
En photographie, c'est le niveau extrême à utiliser au télé-objectif et depuis une bonne distance pour grandir vos modèles. En architecture c'est une position qui n'est pas naturelle, le niveau du sol donne un déséquilibre majeur, surtout si la contre-plongée est utilisée. On préférera toujours une hauteur d'yeux pour être fidèle à l'expérience des visiteurs du lieu.
En photographie de rue, je crois que je m'y positionne surtout pour être à hauteur d'yeux des chiens que j'adore photographier. Le Dogview d'Elliott Erwitt, c'est irremplaçable. Dans le cas d'une narration, il est toujours intéressant d'observer si quelques détails ou objets importants de l'histoire restent au sol, mais ce sera un cas particulier, et toujours avec un détail important.
The Shining - La chambre 237
Full Metal Jacket
Star Wars Episode VIII - The Last Jedi
Black Swan
J'espère que cette nouvelle exploration de la cinématographie vous a plu. La prochaine fois, dernier épisode ou nous parlerons de structure narrative. Nous sortirons de la composition pour passer sur la construction d'une série ou d'un projet photographique.
Ricoh GR - Comment appréhender la focale 28mm ?
J'ai parfois des questions qui m'arrivent par email ou sur Facebook auxquelles je prends le temps de répondre. Et puisque c'est peut être une question que vous vous posez si vous envisagez de vous procurer un Ricoh GR, je me suis dit que ce serait aussi bien de vous partager cet échange.
J’ai une « petite » question un peu technique à te poser : je viens d’acquérir un ricoh gr et suis un peu désarçonnée par le grand angle… aurais tu quelques conseils à me donner pour gérer un objectif de 28 mm et faire en sorte que les visages ressortent bien sur les photos et s’y intègrent bien ?
Alice
Hello Alice,
Alors le 28mm, ou toute focale large, en photographie de rue, c'est difficile. Le principal problème est que ça parait beaucoup plus large que notre champ de vision normal. Néanmoins le 28mm est la focale fixe la plus versatile, qui permet par exemple de photographier de l'architecture sans trop de problème et d'aller jusqu'au portrait sans déformation extrême du visage.
On pourrait arguer que le 35mm serait plus proche de notre vue et déforme moins, personnellement je suis un adepte du 35mm et le préfère toujours au 28mm. Les boîtiers compacts spécialisés en photographie de rue ayant le plus de succès sont le Fuji X100 (35mm) et le Ricoh GR (28mm). Le choix d'optique différent pour ces boîtiers s'explique aisément, le Fuji X100 a un viseur alors que le Ricoh GR propose une visée écran. Pour moi c'est là que réside la principale difficulté du GR, la visée écran à laquelle j'ai mis du temps à m'habituer.
En avançant le ricoh GR devant soi pour viser à l'écran, le 28mm est beaucoup plus proche du 35mm dans le cadrage. La différence entre ces deux focales, c'est un pas en avant... Du coup je comprends Ricoh, avec une visée écran mieux vaut un 28mm.
Avec la pratique, tu pourras t'y habituer et je te souhaite d'y prendre du plaisir, ça ouvre aussi de nouvelles choses une nouvelle manière de photographier. Au pire, tu peux toujours forcer le 35mm avec le Ricoh GR. C'est un zoom numérique, ça limitera un peu tes pixels mais rien de choquant. Sinon quand tu te trouves trop "large", fais un pas en avant :) c'est presque toujours une bonne idée de s'approcher.
Pour les portraits, tu vas devoir être proche si tu veux des plans serrés. Par conséquent, il va falloir briser la glace et dialoguer pour dédramatiser l'appareil si proche du visage. C'est aussi bien, la qualité du portrait dépend surtout de la relation avec ton sujet.
J'espère que ça t'aidera.
À une prochaine,
Genaro
Photographie de Rue - Interview de Cedric Roux
J'ai trouvé cette conversation passionnante. Si le travail de Cédric Roux en photographie de rue vous plait, suivez-le sur Instagram ou explorez son site.
Formation à la Photographie
Cinéma et Photographie - Les valeurs de plans
Le cinéma est pour moi la plus grande source d'inspiration pour la narration. Les techniques narratives peuvent paraître éloignées de la photographie si l'on ne pense qu'à la production d'une seule image, fixe. À plus forte raison si vous pratiquez la photographie de rue, où vous n'aurez aucun contrôle sur ce que vous trouverez ou sur les sujets que vous photographierez.
Et pourtant la photographie s'expérimente très rarement avec une seule photo. Pour la photographie en commande cela paraît une évidence. Quelque soit le sujet, quelque soit le client, vous aurez toujours à communiquer une histoire, même triviale, pour que le client puisse communiquer en s'appuyant sur les photos.
En photographie documentaire, le besoin de travailler la narration est une évidence. En photojournalisme, parfois une seule photo illustre l'ensemble d'un article, mais au moment de la prise de vues ce sont bien des techniques narratives qui sont employées.
Enfin, dans ce que je crois être le meilleur véhicule pour la photographie, le livre, si vous ne pensez pas la narration vous passez certainement à côté de l'exercice.
Ainsi, l'étude de la cinématographie ou de la photographie en cinéma, selon l'appellation que vous préférez, permettra de comprendre les techniques narratives et comment le cadrage permet de raconter une histoire. Quelque soit le sujet que vous travaillez en photographie, quelque soit le média que vous choisissez pour montrer une série de photos, vous pourrez vous servir de cette série d'articles pour améliorer votre narration.
Dans ce premier article, nous verrons les différentes valeurs de plans les plus utilisés en cinématographie, à quoi ils servent dans la narration et comment composer pour les exploiter dans votre photographie.
Quasiment tous les exemples ici seront avec des personnages. Cela ne veut pas dire que cela ne peut servir qu'à la composition en portrait, dans des conditions où tout est maîtrisé. Les principes narratifs exposés ici fonctionnent avec d'autres sujets, du moment qu'une série photographique est envisagée.
Plan d'ensemble - Plan général - Establishing shot
En cinématographie, le plan d'ensemble sert avant tout à présenter un environnement, à situer le contexte ou les conditions atmosphériques. Il sera souvent utilisé au début d'une séquence.
En science-fiction, le plan d'ensemble est crucial et souvent exploité plus longtemps pour introduire et présenter un monde nouveau. Il permet alors de donner un maximum d'informations visuelles sur l'architecture ou les technologies utilisées dans un monde imaginaire.
Blade Runner 2049 - Le plan général est particulièrement utile en science fiction pour montrer un monde dont on ne connaît rien
Django Unchained - Le paysage, c'est quand même plus classe avec un cheval qu'un trépied
Mad Max Fury Road - Le plan d'ensemble qui résume tout le film
North by Northwest - Le paysage utilisé comme symbolique
En photographie, le plan d'ensemble me paraît indispensable à la narration. Évidemment, vous trouverez des livres photo qui ne sont qu'une série de portraits en studio, mais pour toute histoire qui a un début et une fin, vous aurez besoin de contexte et de situer.
À titre personnel, je pourrais parler (encore) de mes villes désertes qui ne seraient que des plans d'ensemble, que des plans très larges. Je vous répondrais que l'idée initiale c'était de réaliser des portraits de villes, et que si mon personnage est la ville, j'ai différentes valeurs de plans dans ce livre. Mais c'est peut-être un peu capillotracté.
Plan Demi Ensemble- Master Shot
L'appellation en Anglais "Master-Shot" me paraît beaucoup plus pertinente. Cette valeur de plan est très utile pour décrire un contexte pour une scène plutôt qu'une séquence. Les personnages y prennent plus de place, ce plan est particulièrement utile en narration pour voir les interactions entre différents personnages.
Certaines scènes se passent intégralement en Master-Shot, pour montrer des dynamiques de groupe. Le bon exemple ici est la scène du Parrain Deuxième Partie où toute la famille se réunit autour de la table. On voit qu'elle est soudée, tout le monde est proche et enjoué. La scène est coupée par un plan rapproché sur Al Pacino qui lâche une bombe (verbale). Il se retrouve seul sur le "master-shot" initial pour une symbolique évidente.
En photographie, c'est une valeur de plan essentielle pour montrer les interactions de personnages avec leur environnement, ou pour montrer des dynamiques de groupe.
2001, L'Odyssée de l'espace
Roma
Le Parrain, Deuxième Partie
Le Parrain, Deuxième Partie - Coupe sur Al Pacino plan moyen où il exprime son désaccord.
Le Parrain, Deuxième partie
Plan Pied - Full Shot
Le plan pied va être utilisé très différemment en cinéma, essentiellement à cause des différences de format. Les formats les plus communs en photographie sont 3/2, 4/3 et 5/4, beaucoup plus serrés que les formats classiques de films 1,85/1 et cinémascope 2,35/1, plus allongés, qui donnent plus de contexte.
Notez comment le plan de plein pied est souvent utilisé au cinéma avec les personnages en plein centre. En photographie, ce sera essentiellement une technique utilisée en portrait, pour montrer le sujet dans son environnement.
Pulp Fiction
Django Unchained
Plan Américain - Cowboy Shot
Le plan américain a été popularisé, je vous le donne en mille, par les films de cowboys. Cette valeur de plan permet de montrer le ceinturon et l'arme des protagonistes d'un duel, dans des moments à forte tension narrative.
Pour votre cadrage en photographie, notez comment les coupes sont précisément au milieu de la cuisse. Les cadrages qui coupent les articulations sont particulièrement déplaisants, ce sera une constante pour tous les personnages, en portrait comme en documentaire ou en photographie de rue.
L'intérêt de ce type de plan est particulièrement limité en photographie si ce qui se passe au niveau de la ceinture n'a aucun intérêt, ce qui est tout de même la majorité des cas. En photographie de rue, ce sera parfois un indicateur que le photographe ne s'est pas assez rapproché de son sujet. Je vous recommanderais de ne l'utiliser qu'avec plusieurs personnages, auquel cas ce cadrage devient plus justifié si vous voulez inclure plus de monde.
Le Bon, La Brute et Le Truand
Terminator 2
King's Speech - Le plan Américain marche bien à plusieurs
Plan Moyen - Medium Shot
Nous voici au plan qui est probablement le plus utilisé au cinéma, et que je vous recommanderai de travailler le plus dans votre photographie pour obtenir des résultats satisfaisants : le plan moyen.
Si cette valeur de plan est très commune, c'est pour une raison très simple : le plan moyen correspond à ce que nous voyons la majeure partie du temps quand nous interagissons avec quelqu'un. C'est donc le type de plan qui permet la plus grande empathie avec le sujet, ou de mieux s'identifier au personnage.
En photographie, notez comment le cadrage est précisément entre la ceinture et la poitrine, plutôt sur la partie haute du ventre, pour un bon équilibre.
Quelque soit le genre photographique que vous pratiquez, il y a de fortes chances que vos meilleures photos soient des plans moyens.
Pulp Fiction
Eyes Wide Shut - Dis-donc Tom, tu as mis les talonnettes ?
Eyes Wide Shut - J'ai fait ma capture en pleine transition entre le plan moyen et le plan serré
No Country for Old Men - Le titre de film qui va le mieux à l'année 2020
Her
Plan Demi Serré - Medium Close Up
J'aurais pu vous épargner cette transition et passer directement au plan serré, mais vous allez voir que la distinction est plutôt utile en photographie.
Le plan serré va permettre de transmettre un maximum d'émotion. En cadrant juste en dessous de l'épaule au lieu de juste au dessus, cela permet de donner juste un peu plus de contexte, ou de montrer une action avec les mains.
En photographie, je trouve cette valeur de plan particulièrement utile en reportage, pour montrer en même temps les yeux et les mains de la personne photographiée.
Mad Max Fury Road
The Shining
Roma
Blade Runner 2049
Avengers Endgame - Le Medium Close Up dans le MCU ;)
Plan Serré - Close Up
Le plan serré est l'outil indispensable pour transmettre une émotion, révéler les sentiments d'un personnages. Au cinéma il est utilisé à des moments précis, notamment au moment d'une révélation ou d'un twist dans le scénario.
Notez comment l'émotion est transmise de manière très subtile, les visages sont rarement très expressifs. L'effet Kuleshov est souvent exploité avec le scénario ou le contre-champ qui révèlent l'émotion du personnage, qui a lui une expression en apparence très neutre.
Pour votre cadrage, le plan serré est positionné juste au dessus de l'épaule. La nuance est fine avec la valeur de plan précédente, mais nous sommes ici en présence du Headshot en photographie, classiquement utilisé en format vertical.
En photographie, il est intéressant de constater que sur un plan serré vous aurez beaucoup de mal à obtenir une attitude ou une expression qui sonne juste si vous n'êtes pas avec un(e) professionnel(le). Utilisez l'effet Kuleshov en narration en associant un cadrage serré avec une autre photographie qui transmettra l'émotion que vous souhaitez attribuer à votre personnage.
Westworld - Saison 1
The Force Awakens
The Shining - Les plans serrés révèlent le talent de Jack Nicholson
The Usual Suspects
Plan Très Très Serré - Extreme Close Up
Le plan serré extrême, c'est la Macro appliquée à la narration. Il est utilisé au cinéma dans principalement deux cas de figure :
avec les yeux et les mains. Ou une oreille ou le nez, mais bien plus souvent un œil ;
avec un détail qui va révéler une information cruciale pour le scénario.
Dans ce deuxième cas, on peut aussi avoir à faire à un plan de transition, mais le détail montré aura toujours une importance essentielle.
En photographie, vous pouvez choisir de ne faire que de la macro, notamment si vous êtes dans la team #passionfleur ou #lesinsectessontnosamis ; mais si vous voulez raconter une histoire ce sera à utiliser avec parcimonie, et toujours sur un détail important.
Little Miss Sunshine
The Shining
Terminator 2
Memento - Le plan qui est passé à l'envers commence ici. Du coup c'est la fin du film, je crois.
J'espère que cette exploration de la cinématographie pourra vous aider dans vos prochaines compositions, surtout si vous travaillez sur un projet de narration.
Prochain sujet de cette série d'articles, les angles et points de vue en cinéma, et donc aussi en photographie.
La Petite Fabrique de Photographies - Analyse de vos photos - #3 et #4
Si vous avez apprécié ces exercices ou les analyses de photos, sachez que cela correspond à la méthode du programme de formation L'Étincelle.
La deuxième session du programme L'Étincelle commence mardi 1er septembre et il reste 8 places au moment où j'écris ces lignes. Si vous voulez en savoir plus ça se passe par là.
La Petite Fabrique de Photographies - Avec Grégory Gerault
Nouvel épisode de La Petite Fabrique de Photographies, la série d'ateliers en direct sur mon groupe Facebook. Cette fois ci je reçois Grégory Gerault, Photographe de Voyage de l'agence Hémis. Il mène également de nombreux voyages photos avec Photographes du Monde.
Suivez le travail de Grégory Gerault sur son site ou Instagram.
La Petite Fabrique de Photographies - Avec Régis Defurnaux
1er invité de La Petite Fabrique de Photographie : Régis Defurnaux. Suivez son travail sur son site ou Instagram.
Progresser en Photographie de Rue
Voici le replay de l'atelier en direct qui a eu le plus de succès sur mon groupe Facebook jusqu'à présent. J'y parle de photographie de rue, avec notamment des photos d'Ernst Haas, Mary Ellen Mark, Helen Levitt, Inge Morath et Sergio Larrain.
Les exercices proposés à la fin seront commentés jeudi 27 août à 20h, toujours sur ce groupe Facebook.
Enfin, si cela vous a plu, sachez que cet atelier est tout à fait cohérent avec le programme de formation L'Étincelle. La deuxième session commence le 1er septembre, et vous pouvez en savoir plus par ici : L'Étincelle.
La Petite Fabrique de Photographies - Analyse de vos photos - Exercices #1 et #2
La suite du programme, sur le groupe Facebook
