Lupin - Techniques de composition
Suite de la série Cinéma et Photographie. Puisque les salles obscures n'ont toujours pas réouvert leurs portes, je vous propose aujourd'hui encore un grand succès de Netflix pour y analyser différentes techniques de composition.
S'inspirer des films est probablement le moyen le plus simple (paresseux?) pour progresser en photographie, je me dois tout de même de prendre quelques précautions.
Les techniques de compositions ici sont toujours utilisées avec des personnages puisque nous sommes dans un contexte narratif. Même si les valeurs de plans sont souvent beaucoup plus serrées que dans la photographie que vous pratiquez, ces techniques seront utiles et universelles. En d'autres termes, ce n'est pas fait que pour les portraitistes.
Ce ne sont en aucun cas des règles de composition. Ce sont des outils qui doivent vous servir à remplir votre cadre et penser ce qu'il contient.
Technique des tiers
Découpez votre cadre en 3 horizontalement et verticalement. Positionnez vos sujets à l'intersection ou le long des lignes de tiers.
Symétrie
Donnez de l'équilibre et de la force à votre image en la rendant parfaitement symétrique.
L'effet est encore plus fort quand la symétrie est interrompue.
Centrer le sujet
Placez votre sujet au centre de l'image. Dans un film c'est une technique évidente, voire nécessaire avec les formats utilisés plus longs qu'en photographie.
Contrastes
Créez un contraste fort entre votre premier plan et l'arrière plan.
Lignes Directrices
Utilisez les diagonales ou les lignes de fuite pour attirer l'attention vers votre sujet.
Motifs et répétition
Utilisez dans un même cadre des sujets, couleurs ou motifs qui se répètent pour créer une harmonie.
Profondeur
Donnez de la profondeur à vos images en faisant dialoguer votre premier plan et votre arrière-plan.
Triangle
Utilisée surtout dans des dialogues pour les films, cette technique de composition est très efficace pour positionner plusieurs sujets avec une dynamique ou un nouveau niveau de lecture.
Si ça vous a plu, il y en a d'autres :
Cinéma et Photographie - Les Couleurs dans The Joker de Todd Phillips
La manière dont sont utilisées les couleurs en photographie est un sujet trop peu étudié et commenté. Dans cette série d'articles sur le cinéma et la photographie, je vous propose de voir comment les couleurs sont exploitées dans le film The Joker de Todd Phillips. J'aime voir et revoir ce film, pour son histoire d'abord, mais aussi pour le travail remarquable de Lawrence Sher, le directeur de la photographie qui a travaillé avec Todd Phillips.
Nous verrons ici quatre manières classiques d'exploiter les couleurs dans un film, et donc dans vos images. Cela ne constitue en rien une règle, c'est tout au plus un outil d'analyse. En connaissant et analysant les couleurs qui fonctionnent bien ensemble, vous pourrez chercher les bonnes combinaisons, par exemple si vous pratiquez comme moi beaucoup de photographie de rue.
Pour les besoins de l'exercice, nous utiliserons ici une roue chromatique. Si vous voulez créer des palettes de couleurs et poursuivre votre réflexion sur le sujet, vous pouvez utiliser l'outil d'Adobe et appliquer différentes harmonies chromatiques à partir d'une couleur.
Couleurs Complémentaires
Dans une roue chromatique, les couleurs complémentaires sont opposées, de part et d'autre de la roue. Associer des couleurs complémentaires est la manière la plus évidente de créer une harmonie chromatique.
Schéma Monochrome
Un schéma de couleur monochrome va utiliser une seule et même teinte de couleur (duh), éventuellement avec différents niveaux de saturation pour conserver du contraste.
Pour des films comme en photographie, la couleur utilisée aura une forte valeur symbolique. La technique la plus facile pour obtenir une teinte monochrome est par l'éclairage.
Couleurs Analogues
Les couleurs analogues sont les couleurs directement adjacentes de votre couleur principale dans la roue chromatique. Utiliser deux couleurs complémentaires et leur couleur analogue est un excellent moyen de créer une harmonie visuellement puissante.
Couleurs Tétradiques
Si vous utilisez une couleur principale et les deux couleurs analogues de sa couleur complémentaire, on dit que ces 3 couleurs sont Triadiques. Si vous utilisez les 4 couleurs analogues de 2 couleurs complémentaires, elles sont alors tétradiques. C'est subtil, mais particulièrement efficace pour obtenir une palette harmonieuse.
Si vous cherchez à vous inspirer des couleurs d'un grand maître en photographie, je ne saurai trop vous conseiller de poursuivre avec l'article remarquable du Photographe Minimaliste. Il détaille et analyse notamment le travail sur les couleurs d'Alex Webb, à mon avis l'un des plus grands artistes vivants travaillant en couleur.
à bientôt pour une nouvelle analyse de film dans cette série Cinéma et Photographie (cliquez ici pour lire tous les articles).
.via Logline
Cinéma et Photographie - Queen's Gambit
Je continue l'exploration de la cinématographie et de la composition dans les grands films. Après les valeurs de plan et les angles et points de vue, je vous propose ici l'analyse de la cinématographie d'une mini-série récente que j'ai adoré : Queen's Gambit (désolé, la traduction Française "Le jeu de la dame" est médiocre pour un joueur d'échecs).
Les amis de LogLine ont extrait des différents épisodes de Queen's Gambit certains plans merveilleux. Ils mettent en valeur le travail remarquable du Réalisateur Scott Franck et du Directeur de la Photographie Steven Meizler. On pourrait certainement aussi souligner la qualité du design et des costumes, mais nous concentrerons sur les éléments de composition et comment ils sont utilisés dans cette histoire.
Spoiler Alert : si vous n'avez pas vu Queen's Gambit, déjà qu'est-ce que vous foutez ici ? Il est temps de l'engloutir. Nous ne révélerons pas de détails du scénario, mais une image vaut parfois mille mots.
Symétrie - Créer un équilibre quand la moitié du cadre est identique (ou presque) à l'autre côté
Nombre d'Or - Les éléments intéressants sont dans la zone d'intersection,
souvent au centre pour attirer l'attention
Encadrement - Utiliser des cadres naturels pour les sujets
La règle des tiers
Notons que la règle des tiers n'est pas une règle, mais un outil :)
Règles des tiers - Les centres d'intérêts aux intersections
Règles des tiers - Les centres d'intérêts aux intersections
Règles des tiers - Les centres d'intérêts aux intersections
Règles des tiers - Les centres d'intérêts aux intersections
Symétrie
Symétrie - Créer un équilibre quand la moitié du cadre est identique (ou presque) à l'autre côté
Symétrie - Créer un équilibre quand la moitié du cadre est identique (ou presque) à l'autre côté
Cadre dans le cadre
Cadre dans le cadre - Utiliser des cadres naturels pour les sujets
Cadre dans le cadre - Utiliser des cadres naturels pour les sujets
Composer en triangle ou Pyramide
Pyramide - Placer les sujets ou éléments pour qu'ils forment un triangle
Pyramide - Placer les sujets ou éléments pour qu'ils forment un triangle
Le Nombre d'Or
Nombre d'Or - Les éléments intéressants sont dans la zone d'intersection,
souvent au centre pour attirer l'attention
Nombre d'Or - Les éléments intéressants sont dans la zone d'intersection,
souvent au centre pour attirer l'attention
Nombre d'Or - Les éléments intéressants sont dans la zone d'intersection,
souvent au centre pour attirer l'attention
Composition Circulaire
Circulaire - Placer les sujets ou éléments pour qu'ils forment un cercle dans le cadre
Circulaire - Placer les sujets ou éléments pour qu'ils forment un cercle dans le cadre
Circulaire - Placer les sujets ou éléments pour qu'ils forment un cercle dans le cadre
Contrastes
Contrastes - Trouver un contraste entre le sujet et l'arrière-plan
Contrastes - Trouver un contraste entre le sujet et l'arrière-plan
Contrastes - Trouver un contraste entre le sujet et l'arrière-plan
Lignes directrices
Lignes directrices - Les lignes naturelles emmènent le spectateur dans le cadre
Lignes directrices - Les lignes naturelles emmènent le spectateur dans le cadre
Profondeur
Profondeur et distance - Utiliser le premier plan, un plan intermédiaire et un arrière-plan pour créer de la profondeur, du contraste et du sens
Profondeur et distance - Utiliser le premier plan, un plan intermédiaire et un arrière-plan pour créer de la profondeur, du contraste et du sens
Profondeur et distance - Utiliser le premier plan, un plan intermédiaire et un arrière-plan pour créer de la profondeur, du contraste et du sens
Répétition et motifs
Répétition et Motifs - Trouver des éléments qui se répètent comme des lignes, formes ou couleurs
Répétition et Motifs - Trouver des éléments qui se répètent comme des lignes, formes ou couleurs
Juxtaposition
Juxtaposition - Placer les sujets dans des positions adjacentes ou opposées
pour créer des différences et du sens.
Juxtaposition - Placer les sujets dans des positions adjacentes ou opposées
pour créer des contrastes et du sens.
Juxtaposition - Placer les sujets dans des positions adjacentes ou opposées
pour créer des différences et du sens.
Voilà une bonne manière de travailler sa composition et de développer son regard, avec une bonne série !
Si vous en voulez encore, poursuivez avec ces deux articles :
Cinéma et Photographie - Angles et points de vue
Voici le deuxième article de ma série d'exploration de la cinématographie. La dernière fois nous avons vu les valeurs de plan, cette fois-ci nous analyserons les angles et points de vue. Comme pour les valeurs de plans, ces techniques de composition seront particulièrement utiles dans le cas d'une narration. Quelque soit le genre photographique que vous pratiquez, ces techniques narratives et manières de cadrer serviront dans la construction d'une série photographique, d'un projet de livre ou de quelque support qui présente votre travail en plusieurs photos.
Même si les plans présentés ici seront avant tout des personnages, les principes fonctionnent pour d'autres sujets. Ils fonctionneront également pour la composition d'une photographie unique, selon ce que vous voudrez évoquer par le point de vue que vous prendrez.
Vous verrez mieux j'espère l'importance du point de vue, et ce que disent l'angle et l'endroit d'où vous prenez une photo. Commençons tout de suite avec le premier angle, le plus évident : la contre-plongée.
Contre plongée - Low Angle
La contre-plongée est l'outil le plus évident à intégrer dans sa photographie. Cela va sans dire, mais dans ce cas la caméra vise "vers le haut".
Cela a un effet immédiat de rendre le sujet plus puissant, plus imposant, plus important. En cinématographie la contre-plongée est parfaite pour les protagonistes principaux, héros ou ennemis.
En photographie c'est le moyen le plus simple de magnifier votre sujet, de le rendre important et positif. C'est la raison pour laquelle certains photographes se jettent les fesses au sol.
À titre personnel, le dernier exemple qui me vient en tête est pour une de mes dernières commandes pour une salle de boxe. Pour mieux mettre en valeur les mouvements et donner une impression de puissance, j'ai usé et abusé de la contre-plongée, notamment sur les photos de plein pied.
En photojournalisme ou photographie documentaire, la plongée et contre plongée sont des outils évidents qui peuvent indiquer ce que veut montrer le photographe d'un sujet. Par exemple des manifestants pris en contre plongée pourraient laisser penser que le photographe est au service de leur cause.
Notez qu'en cinématographie, la contre-plongée peut être extrême ou très subtile, nous le verrons avec l'exemple de la "vue épaule". Enfin, cet outil n'est pas limité aux personnages, même si c'est avec eux que cela aura le plus de sens. En photographie, par exemple l'architecture est parfois prise en contre-plongée lorsque la focale n'est pas assez large, pour pouvoir saisir un élément dans son ensemble. Cela aura des effets très visibles sur la parallaxe, à moins d'utiliser des optiques à décentrement.
Kill Bill - Volume 1
The Dark Knight - Les antagonistes sont souvent représentés puissants,
pour que la menace soit réelle
Star Wars Episode V - L'Empire contre attaque - L'image iconique du vilain le plus connu de l'histoire du cinéma est une contre plongée.
Pulp Fiction
2001 L'Odyssée de l'espace - La contre plongée ne fonctionne pas que avec des humains
Inception - La contre plongée ne fonctionne pas que avec des humains
Les Affranchis - Joe Pesci vise le plan d'après
Casino - Joe Pesci abandonne devant cette caméra qui s'acharne
Plongée - High Angle
La plongée, vous l'aviez bien compris, est l'angle inverse, quand la caméra est dirigée "vers le bas". L'angle de visée peut être plus ou moins marqué, toujours avec la même intention quand il s'agit de personnages : diminuer leur importance, les montrer en position de faiblesse ou vulnérable.
Par exemple pour des super-héros pleins de super-pouvoirs, si vous voulez augmenter la tension et le danger et les présenter face à une menace au moins équivalente à leur pouvoir, la plongée va être assez logique.
Au cinéma, la plongée sera un angle très complémentaire de la contre-plongée dans la même scène pour montrer une différence de pouvoir ou une inégalité.
En photographie, l'effet sera strictement identique, dans le cas d'une narration sur une série de photos comme pour une photo unique. La plongée donnera un point de vue dominant au photographe, présentera le sujet comme diminué. Cet effet peut être un moyen d'accentuer une position de faiblesse, voire redondant si le sujet est déjà en difficulté.
Pour tout autre sujet que des personnes, la vue en plongée peut être un très bon moyen de réaliser un plan d'ensemble, de présenter un contexte avec un point de vue qui "prend de la hauteur".
Avengers - Comment présenter une menace pour des super héros ? En les prenant de haut.
Mad Max Fury Road - L'année 2020 qui contemple vos plus beaux projets
Blade Runner 2049
Kill Bill Volume I - Idée de mise en scène pour photographes de mariage
The Revenant
Une utilisation extrême de la plongée la transforme en plan aérien. Cet angle est idéal pour établir une scène, présenter paysage ou montrer des personnages qui se déplacent dans un environnement vaste.
Interstellar - vue aérienne pour accentuer l'hostilité de l'environnement et la solitude des personnages
Ad Astra - vue aérienne utilisée comme plan d'ensemble
Blade Runner
Casino - Juste avant la chute (no spoiler)
Kill Bill Volume I - Le but ici n'est pas de diminuer le protagoniste, mais de montrer la scène en entier
Vue du dessus (plongée à 90°) - Overhead
Poussée à 90°, la plongée devient une vue du dessus, aussi appelée "bird's eye" ou "god's eye" en anglais, "vue d'oiseau" quand le cadrage est éloigné, "vue omnisciente" quand on se rapproche d'un personnage.
La vue du dessus est parfaite pour montrer des actions complexes, elle
peut aussi être utilisée pour montrer une connexion spirituelle ou divine, Cet angle est enfin utile pour montrer une scène de crime insoutenable, positionnant le spectateur en juge suprême.
En photographie, voici le royaume des drones. Ce type de photographie peut être une spécialité, notamment en architecture ou en voyage. Vous trouverez des grands spécialistes de composition très graphiques par ce procédé, créant des relations entre des éléments improbables ou harmonieux.
Dans le cas d'une narration, par exemple d'une commande en architecture, se limiter à la vue de drone serait très réducteur. Cet angle est relativement récent en photographie, merci DJI ! Si vous en avez la possibilité, ce peut être un très bon complément ou plan d'ensemble. me rappelle de la couverture d'un magazine de voile réalisée au drone par un ami. La voile est un genre qui exploite parfaitement les caractéristiques de ce genre de plans.
North by Northwest - Peut être le meilleur, et sûrement le plus beau film d'Hitchcock
Tigre et Dragon - Les scènes aux mouvement complexes sont parfois plus faciles à comprendre vues d'en haut
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain - Vue omnisciente, ceci est également un Dutch Angle
Kill Bill Volume I
Taxi Driver
Blade Runner 2049 - cet angle est parfois appelé "god's eye", avec une symbolique spirituelle
Plan cassé ou débullé - Dutch Angle
Pardon mais je ne me fais pas à l'appellation française. Le Dutch Angle propose un cadre où l'horizon est fortement décalé.
L'effet immédiat est de créer un malaise chez le protagoniste ou le spectateur. Ce plan est souvent utilisé pour suggérer un état maniaque, la terreur, la perplexité, ou pour maximiser la tension et le suspense.
En photographie, cet angle est toujours étonnant. Décalez l'axe de l'horizon suffisamment pour que l'on voit que l'effet est volontaire. Si l'effet est trop léger, on pourrait croire que la photo n'est simplement pas droite. Si le sujet le permet, utilisez une perspective ou une diagonale dans un coin du cadre pour accentuer l'effet.
Mission Impossible - Tom est perplexe, et Brian de Palma est au Panthéon des cinéastes.
Mission Impossible - Contre plongée + Dutch Angle pour maximiser la tension, et tout montrer
L'armée des 12 singes - Bruce Willis face aux antivax
Django Unchained - Flasback terrorisant, le malaise est total
Joker - Créer le malaise pour expliquer la naissance d'un monstre
Hauteur d'yeux - Eye Level
Nous allons maintenant explorer les différents positionnements verticaux de la caméra, en commençant par celui largement le plus utilisé au cinéma : le plan à hauteur d'yeux.
La hauteur d'yeux est la manière la plus naturelle de regarder un personnage. Ce plan n'aura aucun jugement de valeur, c'est le meilleur moyen d'être en empathie.
En photographie, c'est le défaut que je vois le plus souvent chez ceux qui débutent : oublier de penser à son point de vue. Si vous ne faites pas attention au positionnement de votre appareil et ne photographiez qu'à hauteur de VOS yeux, vous aurez par exemple constamment une légère plongée qui diminuera vos sujets si vous êtes grand.
Cet aspect est particulièrement important dans la réalisation de portraits. Si vous voulez présenter une photo fidèle à la personne dont vous tirez le portrait, positionnez votre appareil à hauteur de SES yeux. Créez une légère contre-plongée en vous positionnant à hauteur d'épaule pour rendre votre sujet plus dominant. À l'inverse, une légère plongée peut affiner les traits du visage, mais à utiliser avec parcimonie pour ne pas diminuer votre sujet.
La hauteur d'yeux ne veut pas dire que le plan est neutre, plutôt qu'il est fidèle au sujet. Prenons l'exemple du Loup de Wall Street ou Leonardo Dicaprio parle face caméra à hauteur d'yeux. Ce plan permet de briser le 4ème mur, le personnage s'adresse au spectateur pour lui expliquer une situation, l'empathie est totale.
De la même manière il est fréquent en photographie, peut-être même recommandé, de briser le 4ème mur en portrait. Le sentiment d'empathie donné au spectateur n'en sera que plus fort si vous êtes à hauteur d'yeux.
Dunkirk
The Master - La hauteur d'yeux au cinéma et en photographie, mise en abîmes.
Forrest Gump
The Wolf of Wall Street - Si vous voulez rendre un escroc sympathique, filmez-le à hauteur d'yeux
Pulp Fiction
Interstellar
Deadpool - Le maître pour briser le 4ème mur, en BD comme au ciné
The Wolf of Wall Street - Pour rentrer dans la tête d'un personnage, faites-le parler au public
Hauteur d'épaule - Shoulder Level
Si la hauteur d'yeux est le plan le plus utilisé au cinéma, la hauteur d'épaule arrive juste derrière.
Avec une position légèrement plus basse, cela donne les avantages de la contre-plongée sans connotation trop marquée. Ce type de plan est naturellement très employé lors d'un dialogue, avec l'appellation
OTS (Over The Shoulder).
Ce plan peut-être très utile dans une situation romantique, il permet de souligner le regard. C'est toujours bon pour vos commandes en photo de mariage.
En photographie, utilisez-le pour donner un léger effet supérieur au sujet, ou pour montrer des interactions. À la différence du cinéma où l'on présente un dialogue avec le contre-champ, il sera préférable en photographie d'essayer de montrer les visages, donc parfois des profils qui se regardent.
Black Panther - RIP Chadwick Boseman
Pulp Fiction
Taxi Driver
Joker - Point de vue classique dans un dialogue
Rocky - Point de vue logique pour cette séquence d'entraînement iconique
Les Affranchis - "Mais pourquoi le photographe saccage la première danse ?"
Hauteur de Hanche - Hip Level
Je ne passerai pas trop de temps sur ce niveau de plan, utilisé surtout pour les westerns.
En photographie, j'imagine peu de cas de figures intéressants, à moins qu'un détail soit au niveau de la ceinture et que l'arrière plan soit intéressant.
En photographie de rue, c'est un positionnement d'appareil fréquent pour ne pas être repéré, en utilisant par exemple un écran orientable, voire en visant à l'instinct. Ce niveau peut donner des effets intéressants ou des scènes très naturelles, mais pour moi cela reste une exception et je n'imagine pas une série uniquement à hauteur de hanches. Mais peut-être que je me limite :)
Once Upon A Time In Hollywood
Reservoir Dogs - Est-ce un plan à hauteur d'épaule ou de hanche ?
Hauteur de genou - Knee Level
Comme pour la hanche,ce plan est souvent doublé d'une contre plongée. Mais c'est aussi une bonne manière au cinéma de suivre un personnage dans un environnement. Il est parfois utilisé pour montrer un détail qui n'était pas apparent sur un plan d'ensemble.
En photographie, c'est une bonne manière de cadrer de plein pied. En portrait par exemple si vous voulez grandir quelqu'un, sortez le télé-objectif et jetez vous au sol tel un photographe de studio sous amphétamines. Je vous taquine hein, j'ai la plus grande tendresse pour les photographes de vêtements et de mannequins de chair ou de cire.
Au cinéma, restons sur ce plan à hauteur de genou de légende pour montrer la transformation de Forrest, sous les cris "cours Forrest, cours !".
Forrest Gump
The Matrix
Kill Bill Volume I - Le diable est dans le détail
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain
Ground Level
Concluons cette exploration des tréfonds des angles et points de vue par le plan au niveau du sol. Il est naturellement presque toujours doublé d'une contre-plongée. Il peut aussi être utilisé droit pour montrer un détail en plan rapproché, ou suivre un enfant jusqu'à la chambre 237 dans ce plan mythique de Shining.
En photographie, c'est le niveau extrême à utiliser au télé-objectif et depuis une bonne distance pour grandir vos modèles. En architecture c'est une position qui n'est pas naturelle, le niveau du sol donne un déséquilibre majeur, surtout si la contre-plongée est utilisée. On préférera toujours une hauteur d'yeux pour être fidèle à l'expérience des visiteurs du lieu.
En photographie de rue, je crois que je m'y positionne surtout pour être à hauteur d'yeux des chiens que j'adore photographier. Le Dogview d'Elliott Erwitt, c'est irremplaçable. Dans le cas d'une narration, il est toujours intéressant d'observer si quelques détails ou objets importants de l'histoire restent au sol, mais ce sera un cas particulier, et toujours avec un détail important.
The Shining - La chambre 237
Full Metal Jacket
Star Wars Episode VIII - The Last Jedi
Black Swan
J'espère que cette nouvelle exploration de la cinématographie vous a plu. La prochaine fois, dernier épisode ou nous parlerons de structure narrative. Nous sortirons de la composition pour passer sur la construction d'une série ou d'un projet photographique.
Cinéma et Photographie - Les valeurs de plans
Le cinéma est pour moi la plus grande source d'inspiration pour la narration. Les techniques narratives peuvent paraître éloignées de la photographie si l'on ne pense qu'à la production d'une seule image, fixe. À plus forte raison si vous pratiquez la photographie de rue, où vous n'aurez aucun contrôle sur ce que vous trouverez ou sur les sujets que vous photographierez.
Et pourtant la photographie s'expérimente très rarement avec une seule photo. Pour la photographie en commande cela paraît une évidence. Quelque soit le sujet, quelque soit le client, vous aurez toujours à communiquer une histoire, même triviale, pour que le client puisse communiquer en s'appuyant sur les photos.
En photographie documentaire, le besoin de travailler la narration est une évidence. En photojournalisme, parfois une seule photo illustre l'ensemble d'un article, mais au moment de la prise de vues ce sont bien des techniques narratives qui sont employées.
Enfin, dans ce que je crois être le meilleur véhicule pour la photographie, le livre, si vous ne pensez pas la narration vous passez certainement à côté de l'exercice.
Ainsi, l'étude de la cinématographie ou de la photographie en cinéma, selon l'appellation que vous préférez, permettra de comprendre les techniques narratives et comment le cadrage permet de raconter une histoire. Quelque soit le sujet que vous travaillez en photographie, quelque soit le média que vous choisissez pour montrer une série de photos, vous pourrez vous servir de cette série d'articles pour améliorer votre narration.
Dans ce premier article, nous verrons les différentes valeurs de plans les plus utilisés en cinématographie, à quoi ils servent dans la narration et comment composer pour les exploiter dans votre photographie.
Quasiment tous les exemples ici seront avec des personnages. Cela ne veut pas dire que cela ne peut servir qu'à la composition en portrait, dans des conditions où tout est maîtrisé. Les principes narratifs exposés ici fonctionnent avec d'autres sujets, du moment qu'une série photographique est envisagée.
Plan d'ensemble - Plan général - Establishing shot
En cinématographie, le plan d'ensemble sert avant tout à présenter un environnement, à situer le contexte ou les conditions atmosphériques. Il sera souvent utilisé au début d'une séquence.
En science-fiction, le plan d'ensemble est crucial et souvent exploité plus longtemps pour introduire et présenter un monde nouveau. Il permet alors de donner un maximum d'informations visuelles sur l'architecture ou les technologies utilisées dans un monde imaginaire.
Blade Runner 2049 - Le plan général est particulièrement utile en science fiction pour montrer un monde dont on ne connaît rien
Django Unchained - Le paysage, c'est quand même plus classe avec un cheval qu'un trépied
Mad Max Fury Road - Le plan d'ensemble qui résume tout le film
North by Northwest - Le paysage utilisé comme symbolique
En photographie, le plan d'ensemble me paraît indispensable à la narration. Évidemment, vous trouverez des livres photo qui ne sont qu'une série de portraits en studio, mais pour toute histoire qui a un début et une fin, vous aurez besoin de contexte et de situer.
À titre personnel, je pourrais parler (encore) de mes villes désertes qui ne seraient que des plans d'ensemble, que des plans très larges. Je vous répondrais que l'idée initiale c'était de réaliser des portraits de villes, et que si mon personnage est la ville, j'ai différentes valeurs de plans dans ce livre. Mais c'est peut-être un peu capillotracté.
Plan Demi Ensemble- Master Shot
L'appellation en Anglais "Master-Shot" me paraît beaucoup plus pertinente. Cette valeur de plan est très utile pour décrire un contexte pour une scène plutôt qu'une séquence. Les personnages y prennent plus de place, ce plan est particulièrement utile en narration pour voir les interactions entre différents personnages.
Certaines scènes se passent intégralement en Master-Shot, pour montrer des dynamiques de groupe. Le bon exemple ici est la scène du Parrain Deuxième Partie où toute la famille se réunit autour de la table. On voit qu'elle est soudée, tout le monde est proche et enjoué. La scène est coupée par un plan rapproché sur Al Pacino qui lâche une bombe (verbale). Il se retrouve seul sur le "master-shot" initial pour une symbolique évidente.
En photographie, c'est une valeur de plan essentielle pour montrer les interactions de personnages avec leur environnement, ou pour montrer des dynamiques de groupe.
2001, L'Odyssée de l'espace
Roma
Le Parrain, Deuxième Partie
Le Parrain, Deuxième Partie - Coupe sur Al Pacino plan moyen où il exprime son désaccord.
Le Parrain, Deuxième partie
Plan Pied - Full Shot
Le plan pied va être utilisé très différemment en cinéma, essentiellement à cause des différences de format. Les formats les plus communs en photographie sont 3/2, 4/3 et 5/4, beaucoup plus serrés que les formats classiques de films 1,85/1 et cinémascope 2,35/1, plus allongés, qui donnent plus de contexte.
Notez comment le plan de plein pied est souvent utilisé au cinéma avec les personnages en plein centre. En photographie, ce sera essentiellement une technique utilisée en portrait, pour montrer le sujet dans son environnement.
Pulp Fiction
Django Unchained
Plan Américain - Cowboy Shot
Le plan américain a été popularisé, je vous le donne en mille, par les films de cowboys. Cette valeur de plan permet de montrer le ceinturon et l'arme des protagonistes d'un duel, dans des moments à forte tension narrative.
Pour votre cadrage en photographie, notez comment les coupes sont précisément au milieu de la cuisse. Les cadrages qui coupent les articulations sont particulièrement déplaisants, ce sera une constante pour tous les personnages, en portrait comme en documentaire ou en photographie de rue.
L'intérêt de ce type de plan est particulièrement limité en photographie si ce qui se passe au niveau de la ceinture n'a aucun intérêt, ce qui est tout de même la majorité des cas. En photographie de rue, ce sera parfois un indicateur que le photographe ne s'est pas assez rapproché de son sujet. Je vous recommanderais de ne l'utiliser qu'avec plusieurs personnages, auquel cas ce cadrage devient plus justifié si vous voulez inclure plus de monde.
Le Bon, La Brute et Le Truand
Terminator 2
King's Speech - Le plan Américain marche bien à plusieurs
Plan Moyen - Medium Shot
Nous voici au plan qui est probablement le plus utilisé au cinéma, et que je vous recommanderai de travailler le plus dans votre photographie pour obtenir des résultats satisfaisants : le plan moyen.
Si cette valeur de plan est très commune, c'est pour une raison très simple : le plan moyen correspond à ce que nous voyons la majeure partie du temps quand nous interagissons avec quelqu'un. C'est donc le type de plan qui permet la plus grande empathie avec le sujet, ou de mieux s'identifier au personnage.
En photographie, notez comment le cadrage est précisément entre la ceinture et la poitrine, plutôt sur la partie haute du ventre, pour un bon équilibre.
Quelque soit le genre photographique que vous pratiquez, il y a de fortes chances que vos meilleures photos soient des plans moyens.
Pulp Fiction
Eyes Wide Shut - Dis-donc Tom, tu as mis les talonnettes ?
Eyes Wide Shut - J'ai fait ma capture en pleine transition entre le plan moyen et le plan serré
No Country for Old Men - Le titre de film qui va le mieux à l'année 2020
Her
Plan Demi Serré - Medium Close Up
J'aurais pu vous épargner cette transition et passer directement au plan serré, mais vous allez voir que la distinction est plutôt utile en photographie.
Le plan serré va permettre de transmettre un maximum d'émotion. En cadrant juste en dessous de l'épaule au lieu de juste au dessus, cela permet de donner juste un peu plus de contexte, ou de montrer une action avec les mains.
En photographie, je trouve cette valeur de plan particulièrement utile en reportage, pour montrer en même temps les yeux et les mains de la personne photographiée.
Mad Max Fury Road
The Shining
Roma
Blade Runner 2049
Avengers Endgame - Le Medium Close Up dans le MCU ;)
Plan Serré - Close Up
Le plan serré est l'outil indispensable pour transmettre une émotion, révéler les sentiments d'un personnages. Au cinéma il est utilisé à des moments précis, notamment au moment d'une révélation ou d'un twist dans le scénario.
Notez comment l'émotion est transmise de manière très subtile, les visages sont rarement très expressifs. L'effet Kuleshov est souvent exploité avec le scénario ou le contre-champ qui révèlent l'émotion du personnage, qui a lui une expression en apparence très neutre.
Pour votre cadrage, le plan serré est positionné juste au dessus de l'épaule. La nuance est fine avec la valeur de plan précédente, mais nous sommes ici en présence du Headshot en photographie, classiquement utilisé en format vertical.
En photographie, il est intéressant de constater que sur un plan serré vous aurez beaucoup de mal à obtenir une attitude ou une expression qui sonne juste si vous n'êtes pas avec un(e) professionnel(le). Utilisez l'effet Kuleshov en narration en associant un cadrage serré avec une autre photographie qui transmettra l'émotion que vous souhaitez attribuer à votre personnage.
Westworld - Saison 1
The Force Awakens
The Shining - Les plans serrés révèlent le talent de Jack Nicholson
The Usual Suspects
Plan Très Très Serré - Extreme Close Up
Le plan serré extrême, c'est la Macro appliquée à la narration. Il est utilisé au cinéma dans principalement deux cas de figure :
avec les yeux et les mains. Ou une oreille ou le nez, mais bien plus souvent un œil ;
avec un détail qui va révéler une information cruciale pour le scénario.
Dans ce deuxième cas, on peut aussi avoir à faire à un plan de transition, mais le détail montré aura toujours une importance essentielle.
En photographie, vous pouvez choisir de ne faire que de la macro, notamment si vous êtes dans la team #passionfleur ou #lesinsectessontnosamis ; mais si vous voulez raconter une histoire ce sera à utiliser avec parcimonie, et toujours sur un détail important.
Little Miss Sunshine
The Shining
Terminator 2
Memento - Le plan qui est passé à l'envers commence ici. Du coup c'est la fin du film, je crois.
J'espère que cette exploration de la cinématographie pourra vous aider dans vos prochaines compositions, surtout si vous travaillez sur un projet de narration.
Prochain sujet de cette série d'articles, les angles et points de vue en cinéma, et donc aussi en photographie.